Videoarte
El videoarte es una forma de arte surgida entre los años 60 y 70 con el acceso a tecnologías de video más asequibles. Se basa en imágenes en movimiento y puede presentarse en diversas formas, como instalaciones, transmisiones, grabaciones en cinta o proyecciones en vivo o grabadas.
Características del Videoarte
- Multimedia e interactividad: Esta es una de las características del videoarte más valoradas por los artistas a la hora de crear y experimentar, ya que permite integrar diferentes elementos en una misma composición.
- Gestión y manipulación del tiempo: El videoarte permite a los artistas manipular, experimentar y jugar con el tiempo para dotar de significado a su obra.
- Espacio y movimiento: Otra de las características del videoarte más valoradas es su capacidad para crear sensación de movimiento y distorsionar la realidad espacial.
- Narrativa flexible: A diferencia de otros géneros, esta forma de expresión artística permite contar historias de manera fragmentada y abstracta.
- Innovación y experimentación: El videoarte destaca por su constante innovación y experimentación. Los artistas emplean tecnologías y técnicas avanzadas para explorar temas desde diferentes perspectivas.
Formatos
Videoinstalación, Videoescultura, Arte inmersivo.
Artistas Destacados
Marta López Lázaro: cuya obra incluye videomapping e instalaciones, como es el caso de Grandma (2021).
Bill Viola (1951): con obras de fuerte carga intelectual y estética, donde incluye también la música electrónica. Una de sus obras más celebradas fue The Quintet Series (2000).
Influencias del Arte Oceánico, Extremo Oriental y Africano en Gauguin, Van Gogh y Picasso
Introducción
A finales del siglo XIX y principios del XX, los artistas europeos buscaron nuevas formas de expresión, inspirándose en el arte de Oceanía, Asia Oriental y África. La expansión colonial y los museos etnográficos facilitaron el acceso a estas influencias, impactando movimientos como el postimpresionismo y el cubismo. Artistas como Gauguin, Van Gogh y Picasso incorporaron estos elementos, rompiendo con el academicismo y explorando nuevas representaciones de espacio, forma y color, lo que transformó el arte occidental y dejó un legado duradero.
Características de las Influencias
Arte Oceánico
El arte oceánico se distingue por su simbolismo, formas simplificadas y motivos rituales. Las esculturas polinesias muestran figuras humanas estilizadas que priorizan la expresividad sobre el realismo. Este arte tiene un profundo significado religioso y social, vinculado con la identidad comunitaria y lo sagrado.
Arte Extremo Oriental
El arte extremo-oriental, especialmente el japonés, influyó en Europa mediante el japonismo. Se caracteriza por composiciones asimétricas, colores planos y contrastantes, y una representación poética de la naturaleza, como en las estampas ukiyo-e. La importancia de la línea y la perspectiva aplanada inspiró a los artistas europeos a explorar nuevas formas de expresión visual.
Arte Africano
El arte africano, especialmente en máscaras y esculturas, se caracteriza por formas geométricas y estilizadas, con una clara abstracción y expresividad. Estas obras, muchas veces usadas en rituales, aportaban un sentido espiritual y simbólico que impactó a los artistas europeos. Esto influyó en movimientos de vanguardia como el postimpresionismo y el cubismo, que adoptaron elementos del arte no occidental para romper con las normas tradicionales y buscar nuevas formas de expresión libre y subjetiva.
Impacto en Artistas Clave
Paul Gauguin: Tras vivir en Tahití, incorporó en su obra motivos polinesios, formas simplificadas y colores intensos, como en Mahana no Atua, creando una atmósfera mística y simbólica.
Vincent van Gogh: Se inspiró en el japonismo, adoptando contornos marcados, colores brillantes y composiciones influenciadas por las estampas japonesas, como en Almendro en flor, desarrollando así un estilo emocional y expresivo.
Pablo Picasso: Se inspiró en el arte africano para crear el cubismo. En Las señoritas de Aviñón (1907), incorporó rasgos de máscaras africanas y una fuerte geometrización que rompió con la perspectiva tradicional. Gracias a estas influencias, desarrolló un nuevo lenguaje visual basado en la fragmentación y la superposición de planos, transformando la representación del cuerpo humano en el arte occidental.
El Arte de Acción
Surge a mediados del siglo XX como una respuesta a la rigidez del arte tradicional, influenciado por las vanguardias como el dadaísmo y el surrealismo. Se consolidó en los años 50 y 60 con movimientos como el happening, el performance y el Fluxus, promoviendo la experiencia, la interacción y el uso del cuerpo como medio expresivo.
Características principales
- Inmaterialidad: La acción es más importante que el objeto físico.
- Efimeridad: Las obras no pueden repetirse exactamente.
- Participación del público: Rompe la barrera entre artista y espectador.
- Interdisciplinariedad: Mezcla de teatro, música, danza y artes visuales.
- Crítica social y política: Aborda temas como género, poder e identidad.
- Uso del cuerpo: El cuerpo es una herramienta expresiva clave.
Formas de expresión
- Happening: Acción improvisada con participación del público (ej. 18 Happenings in 6 Parts de Kaprow).
- Performance: Acción planificada con el cuerpo como medio (ej. Rhythm 0 de Marina Abramović, The Reincarnation of Saint Orlan).
- Environment: Instalación interactiva que genera una experiencia inmersiva (ej. Yard de Kaprow).
- Body Art: El cuerpo como soporte artístico (ej. Shoot de Chris Burden, Silueta de Ana Mendieta).
- Instalación: Uso de objetos y tecnología para transformar el espacio (ej. Infinity Mirror Rooms de Yayoi Kusama).