El Neoclasicismo: Reacción a la Exuberancia Rococó
El arte neoclásico surge en la segunda mitad del siglo XVIII como una reacción al Rococó, que a su vez era una continuación exuberante del Barroco. El Rococó, nacido en Francia, se caracterizaba por su decoración interior de palacios, el uso de temas mitológicos, la asimetría, las formas curvilíneas y la importancia del color y la luz, destacando artistas como Antoine Watteau.
En contraste, el Neoclasicismo rechaza los excesos ornamentales y busca una vuelta a la sencillez y a las formas clásicas inspiradas en la arquitectura grecorromana, valorando la proporción, la simetría y la belleza ideal, con referencia a modelos como el Panteón de Agripa y las obras de Andrea Palladio.
Arquitectura Neoclásica
- Francia: La arquitectura neoclásica también tenía una función social, usando volúmenes simples y líneas rectas, como en la Iglesia de Sainte-Geneviève, base del Panteón de París.
- Inglaterra: El British Museum ejemplifica esta corriente.
- España: Destaca Juan de Villanueva, arquitecto del Museo del Prado y de la Puerta de Alcalá, donde se integran elementos clásicos en edificios urbanos de planta cuadrada.
Escultura Neoclásica
En escultura, se rechaza el dinamismo barroco en favor de una belleza idealizada inspirada en Grecia, usando mármol y bronce. Antonio Canova es el escultor más representativo con obras como Pauline Borghese como Venus Vencedora y Eros y Psique, caracterizadas por su serenidad y modelado suave.
Pintura Neoclásica
En pintura, el Neoclasicismo se enfoca en el dibujo más que en el color, con estudios anatómicos rigurosos. El máximo exponente es Jacques-Louis David, cuya obra La Muerte de Marat muestra un amplio vacío superior, dominio de líneas rectas y colores fríos, presentando a Marat como una figura humilde.
Maestros del Arte Moderno y Contemporáneo
Antoni Gaudí: El Modernismo Orgánico
Antoni Gaudí: Arquitecto español de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, encuadrado estilísticamente en el Modernismo, que inaugura la denominada arquitectura moderna. Dentro de las dos vías que propone el Modernismo: la geométrica y la decorativa, Gaudí se decantó por la segunda. De hecho, su obra se caracteriza por el amor a la curva, las formas propias de la naturaleza, así como por el interés en las texturas, la decoración y la fantasía creadora, que parecen acercarle en muchos momentos a la escultura. Sus principales trabajos serían La Sagrada Familia, el Parque Güell, Casa Batlló y Casa Milà, todos ellos en Barcelona.
Francis Bacon: La Neofiguración y la Distorsión Emocional
Francis Bacon: Pintor británico nacido en Irlanda, activo durante la segunda mitad del siglo XX, en la etapa de las Segundas Vanguardias. Fue un destacado representante de la pintura neofigurativa, junto a Dubuffet, como reacción a la abstracción. Su estilo se caracteriza por la distorsión de la realidad, el expresionismo y la representación de emociones intensas como la violencia o la pérdida, influenciado por su vida personal y el contexto histórico. Admirador de artistas como Goya y Picasso, tomó inspiración especialmente del retrato de Inocencio X. Su vínculo con España lo llevó al Museo del Prado y a Madrid, donde realizó sus últimas obras y falleció. Son notables sus estudios y trípticos.
Claude Monet: El Padre del Impresionismo
Claude Monet: Pintor francés del siglo XIX, encuadrado estilísticamente en el Impresionismo, estilo del cual fue su principal protagonista. Claude Monet fue el más consecuente de los impresionistas, pues lo inicia con su obra Impresión, sol naciente y nunca lo abandona. Se inclinó por el paisaje y la transmisión de sensaciones atmosféricas. La luz será la gran protagonista en su obra, prefiriendo, sobre todo, los reflejos en el agua. Realizó famosas series (como Estación de San Lázaro o La Catedral de Ruan) en las cuales repite el mismo tema a diferentes horas del día, variando los efectos atmosféricos y la luz. Durante sus últimos años, su pincelada se vuelve más pastosa y comienza a desmaterializar el objeto representado (serie de Nenúfares), influyendo así a gran parte de las futuras vanguardias.
Vasili Kandinsky: Pionero de la Abstracción
Vasili Kandinsky: Pintor y teórico ruso, pionero de la abstracción en la pintura en sus vertientes lírica y geométrica. A lo largo de su carrera pasó por distintas etapas, desde su liderazgo del grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter hasta su labor como profesor en la escuela Bauhaus, donde impulsó la ruptura con el arte figurativo. Kandinsky concebía la abstracción como una forma de expresar emociones, ritmos y espiritualidad, alejándose de la representación concreta. Entre sus obras más destacadas están Lírica sobre blanco, Composición VIII y Puntas en arco, además de sus series de Composiciones, Improvisaciones e Impresiones.
Salvador Dalí: El Surrealismo y el Método Paranoico-Crítico
Salvador Dalí: Artista español del siglo XX y uno de los principales representantes del Surrealismo. Aunque inicialmente se interesó por el futurismo y el cubismo, destacó sobre todo como pintor, desarrollando el método paranoico-crítico, con el que plasmaba sus visiones internas en obras figurativas y detalladas, influenciadas por los maestros clásicos. Entre sus obras más famosas se encuentran La persistencia de la memoria, Premonición de la Guerra Civil y El gran masturbador. También mostró un lado clasicista en piezas como Muchacha en la ventana o Cristo de San Juan de la Cruz. Su vida fue intensa y marcada por su musa Gala.
Pablo Picasso: El Genio de las Vanguardias
Pablo Picasso: También español y del siglo XX, es uno de los artistas más influyentes de la historia del arte. Participó activamente en las vanguardias, atravesando distintas etapas como el periodo azul, rosa, cubismo y propuestas surrealistas y expresionistas. Fue un innovador constante y un creador comprometido con su tiempo. En su etapa cubista buscó una representación intelectual y fragmentada de la realidad, destacando obras como Las señoritas de Aviñón, Retrato de Ambroise Vollard y El Guernica. También exploró el collage y la fusión con otras corrientes.
Vincent van Gogh: La Emoción del Postimpresionismo
Vincent van Gogh: Pintor holandés de la segunda mitad del siglo XIX, encuadrado en el Postimpresionismo. Aunque comenzó su camino artístico de forma autodidacta y explorando diferentes estilos, desarrolló una obra muy personal, marcada por su intensa vida emocional y sus problemas mentales. Estos lo llevaron a pasar temporadas en sanatorios y finalmente al suicidio. Su pintura se caracteriza por una pincelada rápida, gestual y muy expresiva, que reflejaba su estado de ánimo; un uso vibrante del color, incluso en escenas nocturnas; y formas ondulantes, casi flamígeras, que dotan a sus obras de gran dinamismo y fuerza emocional. Entre sus obras más reconocidas se encuentran sus numerosos autorretratos, El doctor Gachet, La habitación del pintor, Los girasoles, Lirios, Noche estrellada y La iglesia de Auvers. Van Gogh proyectaba en sus cuadros sus sentimientos de soledad, angustia y obsesión por la pintura, lo que lo convierte en un claro antecedente del Expresionismo, movimiento que retomaría esa misma carga emocional en el arte. Aunque en vida no fue reconocido, hoy es considerado uno de los grandes genios de la historia del arte.