LA ARQUITECTURA
Durante el Neoclasicismo, su arquitectura se preocupó por lo racional, lo simple y lo útil. De ahí que se llegase a denominar la arquitectura de la razón. La arquitectura neoclásica se opone y reacciona contra el marcado y abundante carácter decorativo del Barroco.
Se inspira en las excavaciones de Pompeya y Herculeano y bebe directamente de las fuentes de Grecia, Roma y el Renacimiento.
Los elementos y carácterísticas de la arquitectura neoclásica son
Las formas responden a una función y a una especialidad racionalmente calculadas. El moderado adorno busca resaltar las diversas funciones de los elementos arquitectónicos. La apariencia solemne y severa, la simplicidad de las líneas, la armónía de los volúMenes y la búsqueda de la belleza de conjunto. La columna como elemento base e indispensable en cualquier construcción. Se prefiere la columna dórica con fuste acanalado, así como la jónica. El uso de frontones poblados de figuras escultóricas. El empleo de la cúpula. El templo griego trata de adaptarse al culto cristiano, y para edificios públicos civiles. El neoclasicismo alcanza en Francia su forma más pura, y se extiende por Alemania, Inglaterra, Estados Unidos y España.Francia
Se practica la arquitectura de la razón, que se preocupa por adecuar la funcionalidad y la forma del edificio y se decanta por construcciones de tipo práctico e industrial. Como consecuencia de los cambios económicos y sociales, la arquitectura está al servicio del Estado: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, museos y hospitales. Se levantaron arcos de triunfo como el de la Estrella de Chalgrin y el del Carrusel de Charles Percier y Pierre Francois Fontaine y columnas conmemorativas que narraban las hazañas napoleónicas y glorificaban al emperador, además de eternizar artísticamente su fama. Destacan obras como el pequeño Trianon de Versalles, el Panteón de los Hombres Ilustres, antes iglesia de Santa Genoveva. Bajo el Imperio de Napoleón trabajó Bartolomé Vignon. Napoleón necesitaba el estilo de los césares y faraones como expresión del Imperio universal al que aspiraba. Este estilo extrema la finura de lo motivos decorativos (lotos, esfinges, pirámides, águilas). Napoleón encargó a Vignon la iglesia de Santa Magdalena. Se trata de una iglesia de cruz latina, con cúpula en su interior y su exterior, un templo períptero sustentado por columnas corintias y con frontón.Inglaterra
Los ingleses tomaron para su arquitectura las formas clásicas aprendidas a partir de la arquitectura griega y la romana. También influyeron las continuas visitas que realizaron a Italia. La nobleza recurríó también a este estilo para sus casas de campo. Las grandes creaciones del clasicismo en Inglaterra se incorporaron al diseño urbano, al disponer armónicamente sus calles, plazas y terrazas. De sir John Soane es el Banco de Inglaterra. Hay auténtica pasión por el pórtico de columnas como el Museo Británico de Smirke, rodeado por una gran columnata jónica.
Alemania
La corriente clasicista, con la consiguiente vuelta a los modelos antiguos, encuentra sus mejores representantes en Langhans que se aproxima a las formas griegas en la Puerta de Bradeburgo de Berlín, conjunto de seis poderosas columnas de estilo dórico con ático sobre el que se levanta como remate la diosa de la Victoria conduciendo una cuadriga. Otras obras neoclásicas de resaltar serían La Nueva Guardia, el Teatro y el Museo Antiguo, la Gliptoteca y los Prolípeos.Estados Unidos
Tras la independencia de los Estados Unidos se adopta el Neoclasicismo para sus construcciones, promovido por Thomas Jefferson, quien veía en Francia el símbolo de los valores republicanos. Para sus obras neoclásicas se inspiraron en la arquitectura romana en obras como el Capitolio, y la villa de Monticello en Virginia.España
El triunfo del neoclasicismo se debe a la obra de arquitectos extranjeros que trabajan para la Corte y que actuaran desde la Academia de San Fernando para imponer el clasicismo frente al Barroco. Los planos de los edificios públicos tenían que ser examinados por la Academia y a ella se encomendaba la formación de los nuevos arquitectos.
Francisco Sabatini fue el arquitecto de Carlos III y el director de las reformas urbanas de Madrid. De todas formas su formación barroca es todavía innegable, a él se deben el Ministerio de Hacienda y la Puerta de Alcalá. Se inspira por completo en la arquitectura romana renacentista.
Ventura Rodríguez
Se forma por entero en el Barroco romano que aprende de Juvara y Sachetti. En la iglesia de San Marcos, en Madrid, utiliza una planta totalmente borrominesca, aunque en el alzado utiliza paramentos desnudos, sin decoración y pórticos de columnas a la manera griega. También de él es la fachada de la catedral de Pamplona. La generación siguiente está representa da por Juan de Villanueva. Se forma en Roma, al volver a España trabaja en El Escorial donde completa su formación. Con él el Neoclasicismo pierde sus últimos vestigios de elementos barrocos. Es un arquitecto dotado de un sentido de la proporción admirable y de una gran sobriedad y elegancia. Su construcción más significativa es el Museo del Prado, compuesto por un cuerpo central, que incluye pórtico y salón posterior cerrado en semicírculo, y dos grandes cuerpos cuadrados que se unen al central mediante galerías jónicas, acristaladas en la actualidad, sobre basamento de arcos y nichos. Otras obras neoclásicas de otros arquitectos son La casita del Labrador, La casita del Príncipe, La puerta de Toledo y el monumento al Dos de Mayo.LA ESCULTURA
El estilo neoclásico significa en escultura lo mismo que en arquitectura, el retorno a la Antigüedad, no sólo en cuanto a los temas sino también en cuanto al estilo. Debido al deseo, de serenidad y equilibrio y a la generalización del empleo del mármol y del bronce la escultura neoclásica es uniforme en todos los países. Los temas representados son generalmente mitológicos, inspirándose en la antigüedad clásica. Se interesan por la belleza ideal, las actitudes reposadas y la severidad y pureza del arte antiguo. Esculpir desnudos alejados del erotismo, retratos individualizados, retratos ecuestres, sepulcros, relieves unidos a monumentos conmemorativos o edificios públicos. Los artistas que imprimen a la escultura clasicista los rasgos de su propia personalidad escultórica son escultores como Canova que es un escultor de elevada técnica, que imita los modelos de obras griegas conservados en su país. Sus representaciones son dioses y mujeres de las que sólo conocíó la belleza externa, y temas preferentemente mitológicos como Amor y Psique, Las Tres Gracias y Perseo. En retrato destaca Paulina Borghese Bonaparte, a la que representa semidesnuda y con una gran manzana, como una Venus triunfante e idealizada. En España el triunfo del neoclasicismo supone la desaparición de la madera policromada y la reducción al mínimo del género religioso. En Madrid tenemos el grupo de Daoiz y Velarde en la Plaza del Dos de Mayo, obra de Antonio Sola. Son también de esta época las estatuas de Apolo, Cibeles y Neptuno.
LA PINTURA
El problema más importante con el que se encuentran los pintores neoclásicos es que no disponen de modelos importantes de la pintura clásica. Su única fuente de inspiración es la escultura y el relieve monocromo, esto hace que el color no sea para ellos un elemento esencial y producirán sus obras una expresión pobre de cromatismo. Algunos pensarán si era necesario realmente el color, y harán del dibujo su ideal artístico. A él se aplica luego un color convencional o se dejaba sin colorear. Los pintores neoclásicos, grandes dibujantes, dejaron de preocuparse por la luz. Los temas que representan con más frecuencia son los clásicos, la mitología y la historia, aunque también aparecen los medievales. Los principales pintores neoclásicos son los franceses David e Ingres, y el alemán Mengs. En la pintura neoclásica española destacan Salvador Mella, Francisco Bayeu y José Madrazo y Vicente López.
David
Es el verdadero creador del estilo neoclásico en pintura, se va a convertir en el pintor de la Revolución, aunque sus obras se ven sometidas a los convencionalismos de la época, es un pintor excelente. La temática de su obra está inspirada en el mundo antiguo, aunque David le otorga un significado contemporáneo con un mensaje moral destinado a la sociedad del momento. Elegía acontecimientos de la Antigüedad que glorificaban las virtudes del patriotismo, el valor y el sacrificio, asociándolos a comentarios políticos sobre la Francia de su época: desde la revolución hasta el Imperio napoleónico. Se inspiró en los relieves, de los que tomó la simetría y la ordenación paralela de las figuras. Sus figuras parecen esculturas de griegos y romanos. La anatomía está representada con precisión: cabezas, cuellos, y torsos. El Juramento de los Horacios está concebido como espacio arquitectónico, reviviendo la claridad racional de los sistemas de perspectiva del Renacimiento. A través del suelo y las columnas se crea pura geometría y define un campo ideal de volúMenes y espacios perfectos. Los perfiles definidos y una luz dura proporcionan a las figuras la cualidad de estatuas. Otros cuadros de héroes clásicos son Belisario y El rapto de las Sabinas. David fue autor de retratos como Madame Recamier. En temas históricos destacaría la Muerte de Marat. En este último convierte un hecho histórico, el asesinato del héroe de la Revolución Francesa, en arte. También retrata momentos de la historia política de Francia en: El juramento del juego de la pelota, La coronación de Napoleón y Napoleón cruzando los Alpes.Ingres
Es el último gran representante del neoclasicismo. Es un pintor fiel a la línea y al dibujo, técnica ésta que domina a la perfección. La base de su arte es el dibujo, como un producto de la línea pura. Su principal obsesión es la mujer y el desnudo femenino, para la que compondrá escenas clasicistas, orientales y puras invenciones. Pintó temas de la literatura, de la Antigüedad, escenas de baño y de harén. En el desnudo busca la belleza ideal y la grandeza de las formas. Los cuerpos de las figuras están envueltos en un suave esfumato. Perfecciónó el estilo retratista desarrollado por David y centró su atención en las formas y en las texturas de todo lo que aparece en el cuadro. Los rostros, cuellos y brazos tienen un acabado marfileño. Entre sus obras destacan Odalisca, Mujer en el baño, Baño turco.
Mengs
Aunque de origen alemán trabajó fundamentalmente en Roma y Madrid. Tomó modelos de la estatuaria antigua, el clasicismo de Poussin y las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento. Su dibujo es suntuoso y el colorido frío y abigarrado. En sus figuras predomina la suavidad de la línea curva. Evita la composición en profundidad y ordena sus figuras paralelas al plano pictórico como un relieve escultórico. Su cuadro más famoso es El Parnaso, fresco hecho en el techo de la villa Albañí de Roma. En España los representantes del estilo neoclásico son Vicente López, un gran dibujante que utiliza el color hasta convertirlo en esmalte, su neoclasicismo está cargado de rococó. Es el retratista de Fernando VII, y uno de sus cuadros más famosos es el retrato de Goya. José de Madrazo continúa su obra en un estilo puro de David, es ante todo un pintor de historia.Goya
Comenzó pintor inmerso en la corriente del rococó,que mantiene el gusto por colores pastel. De Bayeu aprendíó un dibujo deshecho, abocetado, que conforma un estilo suelto, y también a jugar con la luz y los brillos. La técnica de pinceladas rápidas en grandes masas abocetadas y de toques dinámicas se deja ver en la decoración pictórica de la bóveda del Coreto en la basílica del Pilar. Goya se trasladó a la corte, donde pintó los cartones para la Real Fábrica de Tapices. Los cartones guardan cierto gusto rococó, con colores suaves y armonizados, con personajes dotados de elegancia, gracia y delicadeza. Esta primera etapa será su época más optimista, donde sus dotes de colorista se pondrían cada vez más de manifiesto, de modo que sus composiciones serán cada vez más luminosas y limpias. Abandona la técnica terminada del rococó. Los temas representados son populares, la vida del Madrid del Siglo XVIII, verbenas, romerías, trajes de colores claros. Goya crea un mundo chispeante de majas risueñas que bailan y se divierten. Buenos ejemplos de estos años serían: La era, La gallinita ciega, Los zancos, El quitasol. Goya empezó a trabajar como retratista para la corte, poco a poco va cobrando fama y pinta sobre todo a la aristocracia y los principales personajes de la corte, llegando a retratar al mismo rey. Los retratos son fieles a la realidad y, en ellos, recoge la realidad psicológica del personaje, detalles y hechos objetivos. Retrata a los monarcas y familiares con un gran parecido físico, muy humanos, casi decadentes.Pone más atención en los rostros que en los vestidos, en los que las pinceladas son meras manchas de color. Los retratos fueron muy numerosos como La Condesa de Chinchón, La Familia de Carlos IV, La maja desnuda, La Tirana. Hacia 1790 sufre la enfermedad que tantas consecuencias dejará en sus pinturas: la sordera.Aislándose DEL MUNDO, por un lado su rica imaginación, y por el otro la nota crítica y grotesca aparecerá en mayor medida. Serán los años en que pinta Los Caprichos, una serie de ochenta aguafuertes en las que cada grabado incluye una leyenda que explica el contenido irónicamente. En ellos se censuran los vicios y errores humanos. Los temas aluden a las extravagancias y las locuras de la sociedad de la época, el mundo de las brujas, los monstruos, . En los Caprichos reproduce la oscuridad negra y una luz blanca intensa lo que crea fuertes contrastes y potencia los valores expresivos. Destacan El entierro de la sardina, Los disciplinantes, El sueño de la razón produce monstruos.
La invasión napoleónica hace pasar a Goya días amargos, y le obliga a presenciar escenas de dolor y sangre. El pesimismo se refleja ahora en su pintura, su paleta se hace cada vez más oscura, a los grises sucede el negro. Desde 1808 comenzó a trabajar en una serie de 82 aguafuertes. Es la época de los desastres, en dónde el Realismo español aflora una y otra vez con unas expresiones inimaginables. Se trata de imágenes de la guerra, sobre matanzas de civiles, mutilaciones y saqueos, con fondos nocturnos y un punto de vista bajo. Contrasta la iluminación blanca con distintas intensidades de negro, lo que aumenta el dramatismo. Con razón o sin ella es uno de los grabados de esta serie. En 1814 realizó dos cuadros emblemáticos del enfrentamiento con los franceses. La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol, Los fusilamientos del Tres de Mayo, El coloso, obras históricas donde no hay héroes. Restaurado en el trono Fernando VII, Goya es mantenido en su cargo de pintor de cámara. De esta época es la Tauromaquia, debida a la gran afición de Goya a los toros. Se centra casi exclusivamente en los toros y toreros. En la serie de aguafuertes Los Disparates, algunos basados en proverbios, están presentes lo monstruoso y lo deforme, el mundo de las pesadillas, obsesiones y criaturas nocturnas, cargados de cierto Surrealismo. Plasma lo grotesco y terrorífico en rostros atormentados que transfieren un alto grado de expresionismo. Las estampas se van oscureciendo con fondos negros y crueles, sobre los que destacan las figuras. Posteriormente compra una casa al otro lado del Manzanares que se conocía como la Quinta de El Sordo y, cuyas paredes decora con pinturas negras, donde su intensa vida interior y su imaginación se recrean en lo monstruoso y lo fantástico. Siente especial atracción por la brujería, lo expresivo triunfa sobre la forma. Son pinturas casi monocromas, de colores apagados, que representan escenas nocturnas, la técnica se basa en la mancha, más que en la precisión anatómica o de perspectiva. Están entre estas pinturas negras destacan El Aquelarre, Dos viejos comiendo sopa, Noche de Brujas, La Romería de San Isidro, Saturno devorando a su hijo. Su última etapa transcurre en Burdeos, a partir de 1824, donde retrató la gente y la vida miserable de su entorno. Estos cuadros están pintados con una pincelada amplia y libre, suelta y abocetada, rápida, de claro matiz contemporáneo. La lechera de Burdeos es una obra que anuncia el impresionismo.
El valor del arte de Goya
La pintura de Goya implica la ruptura de la tradición, aunque la asuma en el sentido de que abandona el respeto a las leyes ópticas, de pintar lo que se ve, aunque se represente de manera diferente o subjetiva, para asumir la responsabilidad de crear un mundo propio, en el que la fantasía y la critica juegan un papel más importante que la realidad visual. Pero al margen de su concepción de la pintura como un arte testimonio y transformación más que representación, sus aportaciones estrictamente técnicas le colocarían en un lugar de privilegio. Goya rechaza del neoclasicismo su consideración dibujística, académica, acromática y estática y, saltando sobre él enlaza con los grandes maestros barrocos para postular una pintura en la que el dibujo pierde su Imperio y se ensalza el color, la inspiración y el movimiento. En la riqueza de brillos, colores y luces, el mundo goyesco destaca claramente de sus contemporáneos, como David. La esencia de la pintura está en el color, no se puede prescindir de él, más que una lección en Goya encontramos una confirmación. Y todos los movimientos pictóricos posteriores beben en su obra, no es exagerado llamarle el primer pintor moderno. Sin ser un artista ROMántico, los ROMánticos van a reiniciar un arte con los mismos caracteres de luces, colores, composiciones dinámicas y escenas de exaltación de la libertad. Sin ninguna duda, otros movimientos posteriores como el impresionismo (técnica de manchas), el expresionismo e incluso el Surrealismo han tenido en Goya fuente de inspiración