1. ¿Por qué se afirma que la fotografía no es algo verdadero, sino una ilusión de la realidad?
La fotografía no muestra la realidad de forma objetiva, sino una interpretación de ella. Depende del encuadre, la luz, el momento y la intención del fotógrafo. Por ello, crea una visión parcial y subjetiva del mundo real, construyendo una ilusión de la realidad.
2. ¿Qué significa la frase “lo más importante no es la cámara, sino el ojo”?
Significa que la creatividad, la mirada y la intención del fotógrafo son más importantes que la tecnología utilizada. La cámara es solo una herramienta; la fotografía depende de la capacidad de observar, interpretar y decidir qué mostrar y cómo hacerlo.
3. Explica la idea de que “una fotografía no es un accidente, es un concepto”.
Una fotografía responde a una decisión consciente del fotógrafo. Implica planificación, intención y significado, ya sea documental, artística o comunicativa. No es una imagen casual, sino el resultado de una idea previa y una elección visual.
4. ¿Qué es la fotografía documental o periodística y cuál es su función principal?
Es aquella que registra hechos, personas o situaciones relevantes para informar o dejar constancia histórica. Su función principal es comunicar una realidad social, política o cultural con valor informativo y testimonial para la sociedad.
5. ¿Qué se entiende por documento histórico en fotografía?
Es una fotografía que sirve como testimonio visual de una época, acontecimiento o forma de vida. Tiene un gran valor histórico y cultural, ya que permite conservar y analizar el pasado desde una perspectiva visual directa.
6. Define la fotografía etnográfica y su objetivo principal.
La fotografía etnográfica se centra en documentar culturas, costumbres y modos de vida de diferentes grupos humanos. Su objetivo es el estudio antropológico y social, registrando tradiciones, rituales y comportamientos cotidianos.
7. ¿Qué caracteriza a la fotografía costumbrista?
La fotografía costumbrista representa escenas cotidianas y tradiciones populares de una sociedad. Se enfoca en la vida diaria y las costumbres, sin un análisis científico profundo, pero con valor cultural y descriptivo.
8. ¿Qué se busca en la fotografía de retrato y por qué es importante la luz?
El retrato busca transmitir la identidad, emociones o estado anímico de una persona. La luz es fundamental porque define los rasgos, crea volumen y tridimensionalidad, y permite jugar con sombras para reforzar la expresión del sujeto.
9. ¿Qué importancia tiene la luz en la fotografía de paisaje?
La luz solar determina la calidad y el impacto visual del paisaje. Puede transformar completamente una escena y marcar la diferencia entre una buena o mala fotografía. Fenómenos como la lluvia o los rayos pueden convertirse en el principal atractivo de la imagen.
10. ¿Qué diferencia hay entre fotografía publicitaria, artística y de estudio?
La fotografía publicitaria busca promover productos y puede recurrir a la manipulación visual. La artística pretende provocar emociones o transmitir conceptos. La fotografía de estudio o industrial se orienta a mostrar productos o espacios de forma clara y funcional para usos comerciales.
11. ¿Cuáles son las principales diferencias entre la fotografía digital y la analógica?
La fotografía digital sustituye la película por un sensor de imagen y permite el revelado y retoque inmediato mediante ordenador. Ofrece mayor capacidad de almacenamiento y rapidez de trabajo. La analógica destaca por una mayor latitud tonal, pero requiere procesos químicos y es más costosa.
12. ¿Qué es el sensor digital y cómo transforma la luz en imagen?
El sensor está formado por millones de fotodiodos de silicio que captan fotones. Estos generan una carga eléctrica proporcional a la luz recibida, que se convierte en valores digitales. Cada fotodiodo equivale a un píxel en la imagen final.
13. Diferencia entre sensores CCD y CMOS.
El sensor CCD ofrece menos ruido y mayor rango dinámico, pero es más lento y caro. El CMOS es más rápido, económico y eficiente energéticamente. Actualmente, la mayoría de cámaras digitales utilizan sensores CMOS por su versatilidad.
14. ¿Qué es el tamaño del sensor y cómo influye en la imagen?
El tamaño del sensor determina el campo de visión y la calidad de imagen. Sensores más pequeños producen un recorte de la imagen, conocido como factor de equivalencia. Los sensores Full Frame mantienen el ángulo real del objetivo, mientras que los APS-C lo reducen.
15. Explica el concepto de factor de equivalencia del sensor.
El factor de equivalencia corrige la distancia focal aparente debido al recorte del sensor. Se obtiene multiplicando la distancia focal del objetivo por dicho factor. Por ejemplo, un 50 mm en un sensor APS-C puede comportarse como un 80 mm.
16. ¿Qué es la profundidad de color y qué significa trabajar a 24 bits?
La profundidad de color indica cuántos bits se usan para representar el color de cada píxel. A 24 bits se utilizan 8 bits por canal RGB, permitiendo más de 16 millones de colores. Es llamado el color verdadero por su fidelidad visual.
17. ¿Qué es un espacio de color y cuáles son los más habituales?
El espacio de color define la gama de colores que puede representar una imagen. Los más comunes son sRGB (uso web), Adobe RGB (uso profesional) y ProPhoto RGB (alta gama). Un mismo color puede verse distinto según el espacio utilizado.
18. ¿Qué es el histograma y para qué se utiliza en fotografía digital?
El histograma es un gráfico que muestra la distribución de tonos de una imagen, desde negros a blancos. Se usa para evaluar la exposición más allá del fotómetro. Permite detectar sombras empastadas o luces quemadas.
19. ¿Qué se entiende por rango dinámico y latitud en fotografía digital?
El rango dinámico es la capacidad del sensor para captar detalle desde sombras hasta luces. La latitud indica el margen de recuperación de información en la imagen. Los sensores digitales de alta gama pueden alcanzar hasta 9 diafragmas o más.
20. Diferencias entre los formatos RAW y JPEG.
El formato RAW almacena toda la información captada por el sensor sin procesar, ofreciendo máxima calidad y flexibilidad en edición. El JPEG aplica compresión con pérdida, reduce tamaño y gama tonal. RAW es ideal para edición; JPEG para uso rápido.
21. ¿Cuáles son los elementos básicos de una cámara fotográfica y su función?
Toda cámara dispone de objetivo, sensor, diafragma, obturador, visor o pantalla, disparador, procesador, tarjeta de memoria y batería. El objetivo dirige la luz al sensor, el diafragma regula la cantidad de luz, el obturador controla el tiempo de exposición y el sensor capta la imagen.
22. ¿Cuál es la diferencia principal entre una cámara digital y una analógica en su funcionamiento?
El funcionamiento es muy similar, pero la cámara digital sustituye la película por un sensor electrónico. En lugar de un proceso químico, la imagen se procesa digitalmente y se almacena en una tarjeta de memoria, permitiendo visualización inmediata.
23. ¿Qué es el objetivo y qué funciones cumple dentro de la cámara?
El objetivo es el conjunto de lentes que dirige los rayos de luz hacia el sensor. Permite enfocar la imagen y ajustar la distancia focal (zoom). Enfocar consiste en hacer coincidir el foco óptico con el plano del sensor para obtener nitidez.
24. ¿Qué es la distancia focal y cómo influye en la imagen?
La distancia focal es la distancia entre el centro óptico de la lente y el plano de foco. Al variar la distancia focal se modifica el encuadre y el acercamiento del sujeto. Además, influye en la perspectiva y en la sensación de profundidad de la imagen.
25. Explica qué es la apertura de diafragma y cómo se mide.
El diafragma regula la cantidad de luz que entra en la cámara, funcionando como el iris del ojo humano. Se mide mediante números f, donde valores bajos indican mayor apertura. Cada salto entre valores se denomina paso.
26. ¿Qué es la profundidad de campo y de qué factores depende?
La profundidad de campo es la zona nítida por delante y detrás del punto enfocado. Depende de tres factores: la apertura del diafragma, la distancia focal y la distancia real al sujeto. A mayor apertura y mayor distancia focal, menor profundidad de campo.
27. ¿Qué función cumple el obturador y qué es el tiempo de exposición?
El obturador es una cortinilla que controla el tiempo que el sensor está expuesto a la luz. El tiempo de exposición es la duración de ese proceso. Puede ir desde varios segundos hasta milésimas de segundo, influyendo en el movimiento y la luminosidad.
28. ¿Qué es la sensibilidad ISO y qué consecuencias tiene aumentarla?
La sensibilidad ISO indica la capacidad del sensor para captar luz. A mayor ISO, mayor sensibilidad, permitiendo fotografiar con menos luz. Sin embargo, al aumentar ISO se pierde calidad y aparece ruido, especialmente en zonas oscuras.
29. Explica el triángulo expositivo y sus componentes.
El triángulo expositivo está formado por apertura de diafragma, tiempo de exposición y sensibilidad ISO. Estos tres parámetros se combinan para lograr una exposición correcta. Modificar uno obliga a compensar con los otros dos.
30. ¿Qué es el enfoque y por qué se dice que se enfoca una distancia?
Enfocar es hacer coincidir los rayos de luz en el sensor para obtener nitidez. Cuando se enfoca, en realidad se está enfocando una distancia concreta entre la cámara y el sujeto. Si el sujeto se mueve y cambia esa distancia, es necesario reenfocar.
31. ¿Qué se entiende por composición fotográfica?
La composición es la forma en que se disponen los elementos dentro del encuadre. Consiste en buscar la mejor vista de una escena y lograr armonía visual. Componer implica decidir qué elementos incluir y cuáles excluir para dar sentido a la imagen.
32. ¿Por qué se dice que en composición “no hay reglas, solo herramientas”?
Porque no existen normas absolutas para una buena fotografía. Las reglas compositivas son guías que ayudan a mejorar la imagen, pero pueden romperse si el resultado visual funciona. La experiencia y el criterio del fotógrafo son fundamentales.
33. Explica la regla de los tercios y su relación con la proporción áurea.
La regla de los tercios divide la imagen en tres partes iguales, tanto horizontal como verticalmente. Los elementos importantes se colocan en las intersecciones. Es una forma simplificada de aplicar la proporción áurea para lograr equilibrio visual.
34. ¿Qué son los puntos fuertes o puntos óptimos de anclaje?
Son las intersecciones de los tercios de la imagen. Colocar el sujeto principal en estos puntos aporta más fuerza visual que centrarlo. Ayudan a crear composiciones más dinámicas y atractivas para el espectador.
35. ¿Qué función tienen las líneas en la composición fotográfica?
Las líneas guían la mirada del espectador dentro de la imagen. Pueden aportar profundidad, dirección, dinamismo o estabilidad. Aparecen en elementos como carreteras, cables, ríos o sombras, y refuerzan la estructura visual.
36. ¿Qué es el ritmo o patrón repetitivo en fotografía?
El ritmo se produce por la repetición de elementos como líneas, formas o colores. Genera sensación de orden y continuidad visual. Puede romperse con un elemento distinto para atraer la atención y reforzar el interés compositivo.
37. Explica el papel de la textura en la composición.
La textura aporta sensación táctil y riqueza visual a la imagen. Se percibe especialmente bien con luz lateral. Es muy utilizada en fotografía en blanco y negro para resaltar detalles y volúmenes.
38. ¿Qué se entiende por equilibrio en la composición fotográfica?
El equilibrio es la distribución visual del peso de los elementos en la imagen. Puede ser simétrico (estático) o asimétrico (dinámico). Depende del contraste, tamaño, posición y relación entre los elementos del encuadre.
39. ¿Por qué es importante el fondo en una fotografía?
El fondo debe acompañar al sujeto principal sin distraer. Fondos muy recargados o con luces intensas pueden restar protagonismo. Si no puede evitarse, se puede desenfocar reduciendo la profundidad de campo.
40. ¿Qué significa contextualizar y descontextualizar en fotografía?
Contextualizar es mostrar al sujeto dentro de su entorno para aportar información. Descontextualizar consiste en aislarlo del entorno para centrar la atención en él. Ambas decisiones influyen directamente en el mensaje de la imagen.
41. ¿Por qué se dice que la luz es el material básico del fotógrafo?
La luz es el elemento imprescindible para crear una imagen fotográfica. Sin luz no hay fotografía. A través de ella se definen formas, volúmenes, colores y texturas, y es la principal herramienta expresiva del fotógrafo.
42. ¿Cuáles son las tres propiedades fundamentales de la luz en fotografía?
Las tres propiedades básicas de la luz son la calidad, la dirección y el color. Estas características determinan el aspecto visual de la imagen y permiten al fotógrafo controlar el ambiente, el volumen y la sensación emocional.
43. Explica la diferencia entre luz dura y luz difusa.
La luz dura proviene de una fuente pequeña o distante y genera sombras marcadas y alto contraste. La luz difusa procede de una fuente grande o filtrada y produce sombras suaves y transiciones graduales, creando imágenes más equilibradas.
44. ¿Qué efectos produce la luz dura en una fotografía?
La luz dura resalta las formas mediante contrastes fuertes y sombras definidas. Puede reducir la saturación del color y transmitir sensaciones de dureza o agresividad. En algunos casos, las sombras se convierten en el protagonista de la imagen.
45. ¿Qué características tiene la luz difusa y en qué situaciones se produce?
La luz difusa genera sombras suaves y colores más saturados. Se produce en días nublados, en sombra, con luz rebotada o mediante difusores. Es ideal para fotografía social y de viaje al reducir contrastes excesivos.
46. ¿Cuáles son los tipos básicos de dirección de la luz?
Según su relación con el eje de la cámara, la luz puede ser frontal, lateral o trasera (contraluz). Cada una produce efectos distintos sobre volúmenes, texturas y sombras, influyendo directamente en la percepción de la imagen.
47. ¿Qué efectos tiene la luz lateral en la fotografía?
La luz lateral revela volumen y textura, especialmente cuando incide a 45 grados o de forma rasante. Puede generar contrastes fuertes si es una fuente puntual, que se corrigen usando difusores o luz rebotada.
48. ¿Qué es el contraluz y qué efecto visual produce?
El contraluz ilumina al sujeto desde atrás, proyectando sombras hacia la cámara. Produce siluetas y halos de luz que definen la forma del sujeto. Es muy expresivo y útil con elementos translúcidos.
49. ¿Qué se entiende por color de la luz y de qué factores depende?
El color de la luz es una percepción visual generada por el cerebro a partir de distintas longitudes de onda. Depende de la fuente de luz, de lo que el objeto refleja y de nuestra percepción visual de esa luz reflejada.
50. ¿Qué es la temperatura de color y cómo influye en la fotografía?
La temperatura de color expresa el tono de la luz mediante grados Kelvin. Luces cálidas tienden a tonos rojizos y se asocian a sensaciones acogedoras, mientras que las frías son azuladas y transmiten sensaciones más distantes o neutras.
51. ¿Qué es el color desde el punto de vista físico y perceptivo?
El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales de los fotorreceptores de la retina. Estas señales dependen de las longitudes de onda de la luz visible reflejada por los objetos iluminados.
52. ¿Por qué un objeto tiene un color determinado?
Porque absorbe parte de las ondas electromagnéticas de la luz que recibe y refleja otras. Las ondas reflejadas son las que el ojo capta y el cerebro interpreta como un color concreto según su longitud de onda.
53. ¿En qué se basa la teoría del color tradicional?
La teoría tradicional considera el color como una experiencia sensorial abstracta. No distingue entre color luz y color pigmento y establece como colores primarios el rojo, el amarillo y el azul, representándolos en el círculo cromático.
54. ¿Qué diferencias introduce la teoría del color moderna?
La teoría moderna tiene en cuenta las leyes físicas de la luz y distingue entre colores luz, colores pigmento y colores psicológicos. Introduce las tres dimensiones del color propuestas por Albert Munsell: tono, saturación y valor.
55. Explica las tres dimensiones del color según Munsell.
El tono es la longitud de onda dominante del color; la saturación indica su pureza; y el brillo o valor expresa su luminosidad u oscuridad. Estas tres propiedades permiten describir cualquier color de forma precisa.
56. ¿Qué diferencia hay entre síntesis aditiva y sustractiva del color?
La síntesis aditiva corresponde al color luz y utiliza rojo, verde y azul como primarios (RGB). La síntesis sustractiva corresponde a los pigmentos y emplea cian, magenta y amarillo (CMYK). Cada una responde a contextos distintos.
57. ¿Qué son los colores cálidos y fríos y qué transmiten?
Los colores cálidos se sitúan en el extremo rojo del círculo cromático y transmiten energía, cercanía y calidez. Los fríos se ubican en el extremo opuesto y transmiten calma, frescura, distancia o incluso tristeza.
58. ¿Qué se entiende por armonía y contraste de color?
La armonía se produce al combinar tonos próximos en la rueda de color, creando equilibrio visual. El contraste surge al usar colores opuestos, generando mayor impacto y atracción visual dentro de la imagen.
59. ¿Cómo influyen el brillo y la saturación en el impacto visual de una fotografía?
Los colores saturados generan imágenes más intensas y llamativas, mientras que los tonos apagados crean ambientes tranquilos y sutiles. Un uso equilibrado evita resultados irreales o excesivamente agresivos visualmente.
60. ¿Qué papel juega la psicología del color en fotografía?
El color transmite emociones y significados culturales asociados. Su impacto psicológico depende del color de la luz, lo que reflejan los objetos y nuestra percepción. Conocerlo permite reforzar el mensaje visual de la fotografía.
61. ¿Por qué se dice que la fotografía surge de la unión de varios descubrimientos científicos?
La fotografía nace de la combinación de avances en óptica, química y física. La cámara oscura permitió proyectar imágenes, mientras que el descubrimiento de sustancias fotosensibles posibilitó fijarlas. Sin esta unión, la fotografía no habría sido posible.
62. ¿Qué es la cámara oscura y qué importancia tuvo en la historia de la fotografía?
La cámara oscura es un dispositivo que proyecta una imagen invertida del exterior a través de un pequeño orificio. Fue conocida desde la Antigüedad y utilizada por científicos y artistas. Constituye la base técnica de la cámara fotográfica moderna.
63. ¿Qué aportó Joseph Nicéphore Niépce a la historia de la fotografía?
Niépce realizó el primer procedimiento fotográfico permanente: el heliograbado. En 1826 obtuvo la primera fotografía conocida usando betún de Judea sobre una placa. Sus exposiciones eran muy largas, de varias horas.
64. ¿En qué consistía el daguerrotipo y quién lo inventó?
El daguerrotipo fue inventado por Louis Daguerre en 1839. Consistía en una imagen única sobre una placa de plata pulida. Ofrecía gran detalle, pero no permitía copias y utilizaba productos químicos peligrosos.
65. ¿Qué diferencia fundamental existe entre el daguerrotipo y el calotipo de Talbot?
El daguerrotipo producía una imagen única sin posibilidad de copia. El calotipo, desarrollado por William Henry Fox Talbot, introdujo el sistema negativo-positivo, permitiendo obtener múltiples copias a partir de un solo negativo.
66. ¿Qué aportación hizo Hippolyte Bayard a la fotografía primitiva?
Bayard inventó un procedimiento de positivo directo sobre papel en 1837. Sus imágenes, llamadas dibujos fotogénicos, presentaban alto contraste. A pesar de su importancia, su trabajo fue eclipsado por Daguerre y Talbot.
67. ¿Qué es la cianotipia y quién la desarrolló?
La cianotipia fue desarrollada por John Herschel en 1842. Utiliza sales de hierro para obtener imágenes de color azul intenso. Fue empleada por Anna Atkins para documentar plantas, siendo considerada la primera mujer fotógrafa.
68. ¿En qué consistía el proceso de colodión húmedo y qué ventaja tenía?
El colodión húmedo utilizaba placas de vidrio recubiertas de una emulsión fotosensible. Permitía obtener negativos muy nítidos y con mayor rapidez que procesos anteriores. Requería que la placa permaneciera húmeda durante todo el proceso.
69. ¿Cuál fue la importancia de Gustave Le Gray en la historia de la fotografía?
Le Gray contribuyó al perfeccionamiento del negativo con cera y del colodión húmedo. Destacó por su estudio de la luz y la fotografía de paisajes y arquitectura. Combinó rigor técnico con una visión artística avanzada.
70. ¿Qué caracterizó la fotografía de retrato en el siglo XIX según Nadar y Disdéri?
Nadar apostó por retratos sin artificios, centrados en la psicología del personaje y la luz. Disdéri popularizó la «carte de visite», retratos baratos y seriados, más teatrales y comerciales. Ambos marcaron dos enfoques opuestos del retrato.
71. ¿Qué avances técnicos impulsaron la expansión de la fotografía a finales del siglo XIX?
La mejora de los objetivos, la aparición de la placa seca de gelatina de plata y el desarrollo de cámaras más portátiles permitieron exposiciones más rápidas. Esto facilitó la fotografía fuera del estudio y su uso social y documental.
72. ¿Qué importancia tuvo la gelatina de plata en la historia de la fotografía?
La gelatina de plata, introducida por Richard Maddox en 1871, permitió emulsiones más sensibles y estables. Dominó la fotografía del siglo XX por su calidad, facilidad de uso y compatibilidad con copias en papel.
73. ¿Qué fueron las ópticas Petzval y qué aportaron a la fotografía?
Las ópticas Petzval fueron los primeros objetivos calculados matemáticamente. Tenían gran luminosidad, reduciendo los tiempos de exposición, lo que hizo posible el retrato fotográfico, aunque con bordes desenfocados característicos.
74. ¿Qué diferencia existe entre objetivos aplanáticos y anastigmáticos?
Los aplanáticos corregían aberraciones cromáticas y de distorsión, pero mantenían el astigmatismo. Los anastigmáticos, desarrollados por Zeiss, eliminaron casi todos los defectos ópticos y permitieron mayor nitidez y luminosidad.
75. ¿Cómo contribuyó George Eastman a la popularización de la fotografía?
Eastman introdujo la película en rollo y cámaras sencillas como la Kodak Box. Su lema «You press the button, we do the rest» democratizó la fotografía, haciéndola accesible al público general.
76. ¿Qué es el pictorialismo y cuáles son sus características principales?
El pictorialismo fue una corriente artística que defendía la fotografía como arte similar a la pintura. Usaba imágenes desenfocadas, atmósferas suaves y procesos como la goma bicromatada o el carbón, priorizando la expresión estética.
77. ¿Qué técnicas de positivado se consideran “impresiones nobles”?
Incluyen la goma bicromatada, el carbón, el bromóleo y otros procesos pigmentarios. Se caracterizan por su estabilidad, manipulación manual y acabado artístico, alejándose del carácter puramente documental.
78. ¿Qué aportó Edward Muybridge a la historia de la fotografía?
Muybridge estudió el movimiento mediante secuencias fotográficas. Sus experimentos demostraron la descomposición del movimiento y sentaron las bases del cine y del análisis científico del movimiento humano y animal.
79. ¿Cuál fue la importancia de Étienne-Jules Marey y la cronofotografía?
Marey desarrolló la cronofotografía para registrar el movimiento en una sola imagen o secuencia. Su trabajo tuvo gran influencia científica y artística, conectando fotografía, biomecánica y cine experimental.
80. ¿Qué papel tuvo la fotografía documental y social en este periodo?
Fotógrafos como Jacob Riis y Lewis Hine utilizaron la fotografía como herramienta de denuncia social. Sus imágenes sobre pobreza, inmigración y trabajo infantil influyeron en reformas sociales y en el fotoperiodismo moderno.
81. ¿Qué importancia tuvo la Leica de 35 mm en la historia de la fotografía?
La Leica, creada por Oskar Barnack entre 1913 y 1916, introdujo el formato de 35 mm en fotografía. Permitía cámaras más pequeñas, portátiles y con mayor número de disparos, facilitando la fotografía espontánea, documental y de calle.
82. ¿Qué fue la Nueva Objetividad y en qué contexto surge?
La Nueva Objetividad surge tras la Primera Guerra Mundial, con la liberación de la censura. Defiende un lenguaje fotográfico nítido, objetivo y documental, alejándose de la poética pictorialista y oponiéndose a la Bauhaus.
83. ¿Cuáles son las características principales de la Nueva Objetividad?
Uso de gran nitidez, contraste, repetición de formas y diferentes distancias focales. Rechaza la manipulación artística y busca una representación precisa de la realidad, aunque coexistió con restos del pictorialismo.
84. ¿Quién fue August Sander y cuál fue su principal aportación?
August Sander fue un fotógrafo alemán que realizó un extenso retrato tipológico de la sociedad alemana. Su proyecto Hombres del siglo XX documenta clases y profesiones de forma objetiva y sistemática.
85. ¿Qué defendía Albert Renger-Patzsch dentro de la Nueva Objetividad?
Defendía una fotografía precisa, clara y artesanal, centrada en la forma y la estructura del mundo industrial y natural. Rechazaba la experimentación vanguardista y apostaba por la exactitud visual.
86. ¿Qué se entiende por Fotografía Directa o Fotografía Pura?
Es un movimiento surgido en EE. UU. como reacción al pictorialismo. Defiende la nitidez, la ausencia de manipulación y la fotografía como medio autónomo, basado en la luz, la forma y la realidad.
87. ¿Qué papel tuvo Paul Strand en la Fotografía Directa?
Paul Strand fue uno de sus principales precursores. Sus imágenes se caracterizan por la claridad formal, el uso consciente de la composición y una mirada directa sobre objetos, arquitectura y personas.
88. ¿Qué aportó Edward Weston a la fotografía moderna?
Weston utilizó primeros planos de elementos naturales y cotidianos para crear imágenes abstractas. Fue cofundador del grupo f/64 y defendió la máxima nitidez y profundidad de campo.
89. ¿Quién fue Tina Modotti y cómo evolucionó su fotografía?
Tina Modotti fue fotógrafa y activista en México. Partió del esteticismo influido por Weston, pero evolucionó hacia una fotografía comprometida social y políticamente, sin perder el rigor formal.
90. ¿Qué caracterizó la fotografía de moda y glamour de los años 20?
Se caracterizó por la elegancia, el dinamismo y la modernidad. Fotógrafos como Hoyningen-Huene, Munkacsi o Steichen introdujeron movimiento, estilo Art Déco y una estética sofisticada en la moda.
91. ¿Qué supusieron las vanguardias artísticas para la fotografía a partir de 1920?
Las vanguardias rompieron con los conceptos estéticos tradicionales y promovieron la experimentación. La fotografía se convirtió en un medio creativo libre, incorporando técnicas como el fotomontaje, la abstracción y la manipulación directa de la imagen.
92. ¿Qué caracteriza al dadaísmo y cómo se relaciona con la fotografía?
El dadaísmo surge como reacción contra la razón y el arte burgués. En fotografía introduce el absurdo, el collage y el ready-made. Se burló de las convenciones artísticas y utilizó la imagen como provocación y crítica social.
93. ¿Qué aportó Marcel Duchamp al arte y a la fotografía con el ready-made?
Duchamp elevó objetos cotidianos a la categoría de obra de arte simplemente al seleccionarlos. Aunque no era fotógrafo, su concepto influyó en la fotografía conceptual y en la idea de que la intención es más importante que la técnica.
94. ¿Quién fue Man Ray y cuál fue su principal aportación fotográfica?
Man Ray fue una figura clave del surrealismo. Destacó por las rayografías, imágenes creadas sin cámara colocando objetos sobre papel fotosensible. Su obra combina experimentación técnica y exploración del subconsciente.
95. ¿Qué es el fotomontaje y qué función tuvo en las vanguardias?
El fotomontaje consiste en combinar varias imágenes en una sola composición. Fue muy utilizado por artistas dadaístas y constructivistas para crear mensajes políticos, críticos o simbólicos, rompiendo con la fotografía tradicional.
96. ¿Qué defendía el futurismo y cómo se reflejó en la fotografía?
El futurismo exaltaba la velocidad, la máquina y la modernidad. En fotografía se tradujo en la representación del movimiento mediante desenfoques, superposiciones y secuencias, como en las obras de los hermanos Bragaglia.
97. ¿Qué caracteriza al surrealismo en fotografía?
El surrealismo busca representar el subconsciente y los sueños, evitando el control racional. Utiliza imágenes ilógicas, asociaciones inesperadas y manipulaciones visuales. Man Ray y André Kertész fueron figuras clave en este movimiento.
98. ¿Qué papel tuvieron las vanguardias rusas en la fotografía?
Tras la Revolución Rusa, el arte se puso al servicio del cambio social. Fotógrafos como Rodchenko utilizaron ángulos extremos, geometría y fotomontaje. La fotografía se integró en propaganda, diseño gráfico y comunicación visual.
99. ¿Qué es el nuevo fotoperiodismo y qué avances lo hicieron posible?
El nuevo fotoperiodismo surge gracias a cámaras compactas, película de 35 mm y objetivos luminosos. Permitió capturar escenas espontáneas y publicar imágenes en prensa mediante reproducción fotomecánica.
100. ¿Qué aportaron fotógrafos como Erich Salomon o Alfred Eisenstaedt al fotoperiodismo?
Introdujeron una fotografía discreta y cercana a la acción. Captaban momentos reales sin posar, mostrando la historia desde dentro. Eisenstaedt fue conocido como «el ojo del siglo» por su capacidad narrativa visual.