Grandes Figuras y Movimientos Clave en la Historia del Arte
Théodore Géricault: Energía y Drama en el Romanticismo
GÉRICAULT: Théodore Géricault, pintor francés, nació en 1791 y murió en 1824, situándose dentro de la corriente pictórica del Romanticismo. Comenzó su obra dentro del Academicismo y el Neoclasicismo, pero poco a poco se fue separando de estas corrientes para centrar sus pinturas en la energía, el sentimiento apasionado, el dramatismo, la locura o la muerte. El caballo aparece de forma repetida como elemento diferenciador de sus obras.
Este cambio se produjo por el estudio de obras renacentistas y barrocas que conoció en sus diferentes viajes. Así, asimiló:
- La terribilitá de Miguel Ángel.
- Los claroscuros de Caravaggio.
- Las proporciones de Rubens.
- La desesperación de Goya.
Su paleta se llenó de contrastes entre marrones, rojos y amarillos. Aparece el movimiento, con figuras retorcidas y marcados escorzos, todo en paisajes tormentosos donde la naturaleza recuerda al hombre su pequeño tamaño y debilidad.
Obras Destacadas de Géricault
Entre sus obras destacan:
- “Oficial de Cazadores a la Carga”
- “Derbi en Epsom”
- “El Cleptómano”
- Y sobre todo, “La Balsa de la Medusa”.
Esta última poseía un trasfondo político, ya que narra el sufrimiento de los náufragos de la fragata Medusa en una balsa y la culpabilidad de los políticos de la Restauración Absolutista. En la obra aparece una estructura piramidal, compuesta por muertos, moribundos y vivos que aún intentan desesperadamente hacer señales a algún barco cercano.
El Impresionismo: La Captura de la Luz y el Instante
IMPRESIONISMO: Movimiento pictórico que se desarrolló a partir de 1870, sobre todo en Francia, y que recibió su nombre a partir de la obra de Monet “Impresión, Sol Naciente”.
Características Fundamentales
La característica principal será el uso de la luz como actor principal en sus obras, apareciendo cambiante y reflejándose en el agua, la nieve o los espejos. Esto lo demuestran con las grandes series de un mismo lugar a lo largo de un día.
Pintaban sin mezclar los colores y con pinceladas gruesas, utilizando colores vivos que se mezclarían en la retina del espectador, creando las formas según se alejan de la obra. La temática se basó en un principio en paisajes, escenas cotidianas o la vida urbana y de la sociedad parisina. Poco a poco, y según se acercaba la guerra, se interesaron por paisajes alejados como Japón o el Pacífico, evadiéndose de la realidad a través de sus obras.
Pintores Impresionistas Relevantes
Grandes pintores impresionistas son Manet como precursor, y luego Monet, que destaca por “Impresión, Sol Naciente” o la serie de la Catedral de Ruan.
Art Nouveau: La Curva y la Naturaleza en la Arquitectura
ART NOUVEAU: Fue una corriente artística que se desarrolló en Europa a partir de 1890 como reacción a la Arquitectura Industrial y el Historicismo. Se denominó de diferentes maneras según los países:
- Art Nouveau en Francia y Bélgica.
- Modern Style en Gran Bretaña.
- Jugendstil en Alemania.
- Liberty en Italia.
- Modernismo en España.
Rasgos Distintivos del Art Nouveau
Sus características principales son:
- El uso de las formas ondulantes.
- Decoración sobrecargada con motivos exóticos, naturales o arabescos.
- Utilización del hierro como elemento estructural, pero formando curvas y creando figuras en las fachadas.
- Se concibe el edificio como un ser único y vivo, por lo que también se diseñan en función de la fachada y la estructura las escaleras, las ventanas e incluso el mobiliario.
- Aparición de vidrieras y mosaicos para crear reflejos y efectos lumínicos, dotando a la arquitectura de gran colorido frente a la “fealdad” industrial.
Entre los principales autores destacan en Francia las entradas del metro de París de Guimard, en Bélgica a Víctor Horta con la Casa Tassel, y en Escocia a MacKintosh y su Escuela de Arte de Glasgow.
Paul Gauguin: El Primitivismo y el Color Plano
GAUGUIN: Pintor postimpresionista, nacido en 1848, que viajó por todo el mundo viviendo entre París, Lima, Martinica y Tahití, donde falleció en 1903, siendo un pintor poco reconocido hasta los últimos años de su vida.
Su obra comienza dentro del movimiento impresionista, pero poco a poco empieza a alejarse de la sociedad de su tiempo y entra en contacto con otros pintores postimpresionistas como Van Gogh. Rechazó el estilo de vida europeo con su corrupción y los cambios de la industrialización, vinculándose con el llamado primitivismo, buscando el origen del ser humano, el significado de la vida y la muerte, la religión como respuesta, y la relación con la naturaleza y la inocencia del hombre. Por todo esto, se acercó a las primeras culturas y sociedades que conservan esa inocencia, encontrándola en las islas del Pacífico, que ocupan parte de su obra pictórica.
Esa obra presenta colores planos sin mezclar, delimitados por una línea de dibujo, sin perspectiva ni profundidad, siendo un precursor del Fauvismo.
Las Pinturas Negras de Goya: El Abismo Interior
PINTURAS NEGRAS: Serie de cuadros que Francisco Goya pinta para decorar su casa, la llamada Quinta del Sordo (1819 y 1823), cuando su sordera había avanzado y se aisló de la sociedad madrileña.
El aragonés FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES es uno de los genios de la pintura de todos los tiempos, que no solo escapa a los planteamientos estéticos de su época, sino que destroza cualquier intento de encasillamiento. Goya cultivó el Neoclasicismo y el Romanticismo, y a lo largo de su vasta producción, anticipa los cambios radicales que va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea:
- La ligereza de la pincelada preludia el Impresionismo.
- Sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo.
- Su desgarrado mundo interior abre paso a la temática expresionista (plasmar dolor y el miedo del mundo interior de seres turbados).
Dominó todas las técnicas: la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado; y abundó en todos los géneros: el retrato, el bodegón, el cuadro religioso e histórico y la escena costumbrista. Vivió entre dos épocas, el Antiguo Régimen y el Régimen liberal. La guerra y su enfermedad, que le hicieron encerrarse en sí mismo, llevaron a Goya a realizar un tipo de pintura alegórica, fantasmal y delirante, con un significado pesimista y tenebroso, con temas como la muerte, la maldad, la guerra y la violencia.
Características de las Pinturas Negras
Esta serie se caracteriza por:
- Sus tonos oscuros: negros y grises.
- Sus personajes extraños, como brujas y demonios.
- Ausencia de color; el negro pasa a ser el protagonista y la mancha hace desaparecer el dibujo.
- Aparición de visiones oníricas; el dolor y la muerte son los temas predominantes.
Se consideran el antecedente del Expresionismo por su recurrencia a la deformación como mecanismo de expresión. Incluyen 13 obras, entre ellas: “Átropos”, “Dos Viejos”, “Duelo a Garrotazos”, “Aquelarre”, y “Saturno Devorando a sus Hijos”.
Pierre-Auguste Renoir: La Luz y la Vida Cotidiana Impresionista
RENOIR (1841-1919): Pintor impresionista, donde aparece una pincelada gruesa, que permite crear la forma al ojo humano cuando se aleja del lienzo. Se centra en escenas de la vida cotidiana, donde adquieren verdadera importancia la luz y los retratos femeninos, que aparecen constantemente en su obra.
Fue un pintor de origen humilde y desde muy temprano demostró su pasión y habilidad para la pintura. Recibió influencias de Delacroix y Manet, se relacionó durante su vida con Monet y Sisley, y fue uno de los pocos pintores impresionistas que recibió reconocimiento mientras vivía por las exposiciones en salones junto a otros pintores de la época.
Obras Tempranas
Sus primeras obras son “El Palco”, “El Moulin de la Galette” o “El Almuerzo de los Remeros”, todas ellas con escenas cotidianas.
Estudio de Obras Maestras y sus Creadores
Delacroix y el Espíritu Romántico
Identificación: La Libertad guiando al pueblo.
Autor: Delacroix.
Localización: Museo del Louvre (París).
Cronología: 1830.
Cuadro con mensaje político del Romanticismo francés, refleja la revolución burguesa de 1830. Posee una estructura triangular con la libertad simbolizada por una mujer, con la bandera francesa y un fusil, que guía a los diferentes grupos sociales contra el ejército absolutista. Destacan el movimiento, los juegos de luces y sombras o las sombras onduladas, avanzando todo hacia el espectador que parece entrar en el cuadro.
DELACROIX fue otro personaje romántico en cuanto a su espíritu y modo de vivir. Creó una gran producción caracterizada por la técnica suelta y en la que el color prima sobre la línea y el contorno. Una figura femenina aparece en primer plano, destacando el heroísmo de las víctimas. El deseo de compromiso se evidencia al retratarse el artista en la escena. Color, luminosidad y profundidad son sus características más destacadas.
Goya: La Guerra y la Deformación Expresionista
Identificación: Fusilamientos del 3 de Mayo.
Autor: Francisco de Goya.
Localización: Museo del Prado (Madrid).
Cronología: 1814.
Obra que ilustra los fusilamientos en Príncipe Pío el 3 de mayo de 1808, comienzo de la Guerra de la Independencia. Se observa una luz dirigida hacia el personaje principal, vestido de blanco y amarillo, que acepta valiente su destino y desafía a los asesinos, mientras que otros prefieren no mirar hacia el pelotón de fusilamiento, formado por soldados franceses que no tienen rostro y permanecen en la oscuridad, representando la violencia y la muerte.
El cuadro forma parte de un grupo junto a “La Carga de los Mamelucos”, situado en el Museo del Prado. Es una pintura patriótica suscitada por la Guerra de la Independencia. En 1814 Goya propuso al regente, Luis de Borbón, “perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”. Con esto, trataba de afianzar su posición en una época difícil y acallar las voces que le señalaban como un colaborador complaciente de los franceses.
En este cuadro Goya ilustra la represión francesa de los patriotas. Lo conmovedor de la pintura es la deformación de los rostros, acentuando así el dramatismo de la escena y adelantándose a una de las vanguardias del siglo XX: el expresionismo con efectos de luces y sombras.
Antoni Gaudí y la Catedral de la Sagrada Familia
Identificación: La Sagrada Familia.
Autor: Antoni Gaudí.
Localización: Barcelona.
Cronología: Rediseñada por Gaudí en 1883 e inacabada en la actualidad.
Catedral neogótica reestructurada en su diseño por Gaudí dentro del Modernismo o Art Nouveau. Tendrá 18 torres de diferentes tamaños que simbolizan los apóstoles, los cuatro evangelistas, la Virgen María y la más alta Jesucristo.
En su interior es una unión de líneas rectas y diagonales para soportar el peso de la techumbre y las torres, pero rodeados de elementos coloristas tan típicos del Modernismo español. Gaudí trabajó en ella desde 1883 hasta su muerte en 1926. Solo se realizó una parte del proyecto, la fachada del Nacimiento. El plan acabado de esta obra nunca lo podremos conocer porque al estallar la Guerra Civil fueron destruidos planos y maquetas. Las fachadas construidas alcanzan 100 m. En el interior las columnas se inclinan y ramifican. Es un neogoticismo muy personal, con fantástica decoración escultórica que le da un aire irreal. Utiliza cemento, piedra y mosaicos cerámicos.
Monet: El Instante Luminoso del Impresionismo
Identificación: Impresión, Sol Naciente.
Autor: Monet.
Localización: Museo Marmottan-Monet (París).
Cronología: 1874.
Obra que dio nombre al movimiento impresionista, que por medio de pinceladas gruesas y rápidas, representa el puerto de Le Havre (Francia). Los diferentes tonos cálidos y fríos y la niebla que cubre las formas representaron una novedad respecto a la pintura anterior, teniendo la luz como principal elemento, su reflejo y sus efectos lumínicos en el agua, creando una atmósfera irreal y fantástica.
MONET es el genuino de los impresionistas. Deseaba pintar lo intangible. Viajó a distintos lugares de Europa para captar las “distintas atmósferas” y representó varias veces un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y el color en horas y estaciones diferentes. Pinta paisajes tomados del natural y con una técnica rapidísima para captar la luz y el color de un instante. Sus pinceladas son cortas, cargadas de pasta, de colores puros y yuxtapuestos. Llegó a ejecutar cerca de 3.000 cuadros, la mayoría paisajes, marinas y escenas fluviales.
Cézanne: Geometría y Estructura en el Postimpresionismo
Identificación: Jugadores de Cartas.
Autor: Cézanne.
Localización: Museo de Orsay (París).
Cronología: 1890-1895.
Lienzo postimpresionista donde aparecen dos jugadores enfrentados en una partida de cartas, con una composición simétrica donde la línea divisoria la marca la botella sobre la mesa, situando al espectador en un momento de concentración sin apenas movimiento. Es una composición ya próxima a las vanguardias, con elementos geométricos como rectángulos o cuadrados, y con la utilización del color con pinceladas breves y superpuestas para dar volumen y monumentalidad a las figuras.
En “Los Jugadores de cartas” las figuras quedan construidas con cilindros y planos, dándole ese geometrismo considerado el antecedente del cubismo.
CEZANNE fue un pintor fracasado hasta los 50 años. Su posterioridad lo ha reivindicado, considerando virtudes lo que a sus contemporáneos les parecían defectos. Su pintura es una serie de formas geométricas construidas con grandes pinceladas. Su investigación de las formas le llevaría a los principios del cubismo, basándose en la simplificación de las formas tendente a la geometrización, el reduccionismo cromático, las grandes pinceladas y la multiplicación de los puntos de vista.
Van Gogh: El Drama Interior y el Color Expresionista
Identificación: Noche Estrellada.
Autor: Vincent van Gogh.
Localización: Museo Arte Moderno (Nueva York).
Cronología: 1889.
Obra postimpresionista, destacando una pincelada gruesa, formas onduladas horizontales frente a la verticalidad del ciprés y la iglesia, y el predominio del azul y amarillo, muy utilizados por Van Gogh. El cuadro plantea la muerte como un paso hacia las estrellas, idea remarcada por la presencia de los cipreses, vinculados con lo eterno y los cementerios.
Trata de una de las últimas obras del pintor holandés, ya con problemas psicológicos e internado en un psiquiátrico. Van Gogh se expresa y se libera a través de la pintura; el tema es él mismo, su propio drama interior. Pinta paisajes y figuras de forma serpenteantes, flamígeras que traducen su fuego interior y su turbación, constituyendo un antecedente del expresionismo. Utiliza el color independiente de la luz; su pincelada está cargada de pasta, no crea espacio ni modelado, rompiendo así con la visión pictórica heredada del Renacimiento. Concibió el cuadro como un lugar donde el artista proyectaba sus pasiones y sentimientos. La arbitrariedad y la fogosidad del color aparecen como una liberación emocional. Pincelada gruesa, agitada y ondulada; los colores son planos y empastados, dados con energía, reflejo de la intensidad que emana del alma interior del artista.