Concepto y Características de la Polifonía
La polifonía, etimológicamente «pluralidad de sonidos», se refiere a la simultaneidad de varias melodías independientes que se entrelazan para crear una textura musical compleja. A diferencia de la monofonía (una sola melodía, como en el canto gregoriano) y la homofonía (una melodía principal con acompañamiento), la polifonía «pura» no tiene una voz dominante; todas las voces tienen igual importancia melódica y rítmica. Este estilo se desarrolló principalmente en la música religiosa, aunque también tuvo expresiones en la música profana.
Orígenes y Evolución de la Polifonía
La polifonía surgió en Europa hacia el siglo IX, aunque se cree que existía antes de ser documentada. Los primeros ejemplos escritos se encuentran en tratados como el Musica Enchiriadis y el Schola Enchiriadis, donde se describe el organum, una forma primitiva de polifonía que consistía en duplicar la melodía a intervalos de cuarta, quinta u octava. Inicialmente, el organum era paralelo, es decir, las voces se movían en intervalos constantes. Con el tiempo, evolucionó hacia formas más complejas, como el organum convergente (donde las voces se acercan y se alejan) y el organum florido (donde la voz superior desarrolla melismas elaborados sobre notas sostenidas en la voz inferior).
La Escuela de Notre-Dame
En el siglo XII, la Escuela de Notre-Dame en París marcó un hito en la historia de la polifonía. Compositores como Léonin y Pérotin desarrollaron técnicas más avanzadas, como el uso del cantus firmus (una melodía base, generalmente tomada del canto gregoriano) y la polifonía a tres y cuatro voces. Léonin es conocido por su Magnus Liber Organi, una colección de organa para todo el año litúrgico. Pérotin, por su parte, amplió estas composiciones, añadiendo más voces y complejidad rítmica, como en su famoso Viderunt Omnes.
El Motete: Evolución y Características
El motete surgió en el siglo XIII como una evolución del organum. Consistía en añadir textos diferentes a las voces superiores, a menudo en latín o francés, sobre un tenor litúrgico. Esta forma permitía una mayor libertad creativa, ya que los compositores podían combinar textos religiosos y profanos en una misma pieza. El motete se caracterizó por su estructura isorrítmica, donde el tenor seguía un patrón rítmico repetitivo (llamado talea), mientras que las voces superiores desarrollaban melodías independientes. Esta técnica alcanzó su apogeo en el siglo XIV con compositores como Philippe de Vitry.
Ars Antiqua y Ars Nova
El Ars Antiqua (arte antiguo) se refiere a la música polifónica del siglo XIII, caracterizada por el uso de modos rítmicos y la predominancia de la música religiosa. En contraste, el Ars Nova (arte nuevo) del siglo XIV introdujo innovaciones en la notación y el ritmo, permitiendo una mayor flexibilidad y complejidad en la composición. Philippe de Vitry fue uno de los teóricos más influyentes de este periodo, y su tratado Ars Nova sentó las bases para la música polifónica del siglo XIV. Guillaume de Machaut, el compositor más destacado de este periodo, combinó la tradición religiosa con la profana, creando obras maestras como la Messe de Notre Dame, la primera misa polifónica completa de autor conocido.
Formas Musicales del Ars Nova
En el Ars Nova, las formas fijas como la ballade, el rondeau y el virelai adquirieron gran importancia. Estas formas, de origen profano, se caracterizaban por estructuras poético-musicales definidas y un tratamiento polifónico elaborado. La ballade, por ejemplo, consistía en tres estrofas con un estribillo, mientras que el rondeau tenía una estructura circular con repeticiones de estribillo. Machaut fue un maestro en estas formas, combinando textos poéticos refinados con música innovadora. Sus obras profanas, como Ma fin est mon commencement, muestran una gran habilidad en el manejo de la polifonía y el ritmo.
La Música en Italia: El Trecento
En Italia, el Trecento (siglo XIV) vio el florecimiento de formas como el madrigal, la caccia y la ballata. El madrigal, de carácter pastoril y amoroso, se caracterizaba por su estructura en estrofas con un ritornello final. La caccia, por su parte, era una forma imitativa que describía escenas animadas, como cacerías o mercados, y a menudo incluía efectos como el hoquetus (interrupciones rítmicas entre las voces). La ballata, similar al virelai francés, conservó su carácter danzable y se convirtió en una de las formas más populares del periodo.
Francesco Landini y la Cadencia Landina
Uno de los compositores más destacados del Trecento fue Francesco Landini, conocido por sus ballate y su uso de la cadencia landina. Esta cadencia, que consiste en una resolución melódica desde la sexta hasta la octava, se convirtió en un sello distintivo de su estilo. Landini combinó la elegancia melódica con armonías suaves, evitando disonancias fuertes y utilizando terceras y sextas de manera expresiva. Sus obras, como Ecco la primavera, reflejan una sensibilidad poética y musical que influyó en generaciones posteriores.
Conclusión
La música polifónica medieval evolucionó desde formas simples como el organum hasta composiciones complejas como el motete isorrítmico y las formas fijas del Ars Nova. Esta evolución refleja no solo avances técnicos en la notación y el ritmo, sino también un cambio en la función y el significado de la música, desde lo religioso hasta lo profano, y desde lo litúrgico hasta lo artístico. Compositores como Léonin, Pérotin, Vitry, Machaut y Landini sentaron las bases para el desarrollo de la música occidental, creando un legado que influiría en los periodos renacentista y barroco.