Generación del 27
La Generación del 27 fue un grupo de poetas y escritores españoles que surgió en el panorama cultural español alrededor de 1927, con motivo del homenaje a Luis de Góngora en el tercer centenario de su muerte.
Hasta 1928: La poesía pura
Influencia de G. A. Bécquer; las primeras vanguardias: ultraísmo, creacionismo… Influencia de Juan Ramón Jiménez: búsqueda de la belleza absoluta, sin contaminar de circunstancias personales: deshumanizada. Esto les acerca a Góngora.
Hasta 1936: Poesía humanizada
Jorge Guillén y Pedro Salinas continúan con la poesía pura; los demás buscan una poesía humana y apasionada. Toman elementos del surrealismo. Libros y poetas más significativos:
- Luis Cernuda: Los placeres prohibidos
- Rafael Alberti: Sobre los ángeles
- Vicente Aleixandre: Espadas como labios
- Federico García Lorca: Poeta en Nueva York
En 1935 influirá Pablo Neruda con su revista Caballo verde para la poesía.
Después de la Guerra Civil: Exilio y dispersión
Federico García Lorca, muerto. Vicente Aleixandre, Dámaso Alonso y Gerardo Diego se quedaron en España. Miguel Hernández (1910-1942), considerado epígono de esta generación por su vinculación a la estética neogongorina y surrealista, murió en la cárcel. En el exilio: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre, Ernestina de Champourcín y José de la Torre. Los temas más significativos de sus poesías giraron en torno a la nostalgia de España, de los amigos muertos, el desarraigo.
Características
- Conocimiento de la literatura y admiración por los clásicos. Algunos de ellos son profesores de Literatura: Dámaso Alonso, Jorge Guillén, Pedro Salinas, Gerardo Diego, Luis Cernuda.
- Síntesis entre tradición (literatura tradicional, tanto culta como popular) y renovación o vanguardia. De las vanguardias artísticas toman lo novedoso, lo original y provocador, el juego de ingenio y la ruptura humorística.
- Equilibrio entre lo intelectual y lo sentimental, lo culto y lo popular.
- Papel central de la metáfora y la imagen: lenguaje muy elaborado que llevará a algunos poetas hacia el surrealismo: Lorca, Alberti, Aleixandre.
- Ideología: visión pesimista de la vida; están en contra de la represión ejercida por una sociedad alienante porque está construida por la razón, que es dogmática y antivital. Defienden la vida, lo instintivo, espontáneo y natural. Les interesa lo nuevo, lo diferente, lo raro, lo inocente. Se hace patente la influencia de Freud y la noción del inconsciente.
Obras representativas
- Dámaso Alonso: Hijos de la ira
- Luis Cernuda: La realidad y el deseo
- Jorge Guillén: Cántico y Clamor
- Federico García Lorca: Romancero gitano
Miguel Hernández
Miguel Hernández alcanza su plenitud poética con su libro El Rayo que no Cesa, con su gran tríptico temático: la vida, el amor y la muerte. Se alza desde circunstancias concretas, como el tema del amor imposible, de la vida imposible, y alienta un poderoso vitalismo trágico. El libro se compone básicamente de sonetos y favorece la síntesis entre el desbordamiento emocional y la concentración expresiva. La gran composición del libro es la elegía. Durante la guerra y la cárcel empieza otra nueva etapa, la de la poesía comprometida. Su trayectoria es representativa de la evolución poética de aquellos años, comparte ciertas tendencias con los del 27 y se aleja definitivamente del arte deshumanizado.
Camilo José Cela: Etapas de creación novelística
- Primera etapa: Línea existencialista con tintes tremendistas.
- Segunda etapa: Realismo social. Se inicia con La colmena, en ella se ofrece una visión despiadada y distanciada del Madrid de posguerra.
- Tercera etapa: Experimentalista. Obras como San Camilo, 1936, Oficio de tinieblas, 5, y Madera de boj.
Sobre La Colmena
Publicada en Argentina en 1951. Estructurada como el conjunto de las celdillas de una colmena, es una serie de historias que se relacionan a través de un hábil montaje.
Personajes: Se trata de una obra de protagonistas colectivos, con un total de 160 personajes.
El tema central es la incertidumbre de los destinos humanos y la idea central es la alienación, la pérdida del sentido de la identidad del individuo.
Ramón Pérez de Ayala: El Tigre Juan
El Tigre Juan es una obra única dividida en dos volúmenes que aparecen en 1926. Aborda el mito de Don Juan, el concepto del honor conyugal entendido al modo calderoniano y la situación de la mujer en España.
El protagonista, Juan Guerra, es un extraño personaje colérico, de aspecto adusto y temible, pero de alma tierna que dificulta la expresión de sus sentimientos. Tiene un terrible secreto: mató a su mujer porque se creyó burlado, y desde entonces odia a las mujeres y tiene la idea fija de que hay que matarlas cuando te engañan.
Se trata de una novela intelectual, reflexiva, lindante en ocasiones con el ensayo, a veces poética y con especial preocupación por el lenguaje.
Diego Velázquez: Las Meninas
El tema representado es muy simple, reflejando una escena común de Palacio en la que la infanta doña Margarita, acompañada de su corte de Damas (que reciben el nombre de Meninas), bufones y otros personajes de la corte, visitan el estudio del pintor Velázquez en Palacio, donde se encuentra este frente a un lienzo retratando a los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria, reflejados en el espejo de la pared del fondo.
La escena se desarrolla dentro de una habitación amplia, iluminada por dos focos de luz: uno situado en primer término que entra por una ventana lateral a la derecha del espectador, y el segundo se cuela a través de la puerta abierta del fondo.
Los personajes se disponen en distintos planos de profundidad: en el plano más próximo al espectador se sitúan dos bufones y un perro; en el intermedio, la infanta (ocupando el centro del cuadro) y sus doncellas o meninas a ambos lados; justo detrás, el pintor; y un poco más alejado, un grupo formado por dos personas de la corte, mientras que en el fondo se ve un espectador.
El espejo del fondo nos abre un último plano ficticio donde se sitúan los reyes y que estaría delante de los personajes del cuadro.
Pedro Pablo Rubens: Las Tres Gracias
Las Tres Gracias es una obra de Pedro Pablo Rubens, pintada al óleo sobre tabla en el siglo XVII. Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid.
En la imagen aparecen las tres hijas de Zeus: Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Se representan dos de ellas de perfil y la del medio, de espaldas con la cabeza vuelta, estando las tres con el cuerpo desnudo. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.
La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, conseguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas, además del círculo que forman.