Saturno devorando a su hijo, Boccioni y la evolución del arte moderno

Saturno devorando a su hijo (Francisco de Goya)

Saturno devorando a su hijo es una obra pictórica realizada entre 1820 y 1823 aproximadamente por Francisco de Goya. La técnica utilizada por Goya fue óleo sobre la pared, pasada más tarde a lienzo para su exposición en el Museo del Prado, que es donde se encuentra hoy en día. Esta obra pertenece a una serie conocida como Las Pinturas Negras, formada por 14 escenas; se denomina así por la utilización de pigmentos de tonos oscuros y por los temas tratados. Goya realizó esta serie de pinturas para que decorasen dos habitaciones de la Quinta del Sordo.

Goya fue una figura principal en la pintura española durante el período 1785-1820, y un gran pintor europeo con raíces en el Barroco español. La Revolución Francesa (1789-1795) rompió la paz del siglo XVIII y condujo a una serie de catástrofes continentales.

Iconografía y descripción

En la iconografía de la obra, Goya pinta al dios con una terrorífica mirada de locura en el rostro. Está masticando una masa informe: el cuerpo, cubierto de sangre, de su hijo, al que agarra con fuerza incrustando sus dedos en la carne. En esta obra, Saturno surge de la oscuridad, contrastando su tensión en las piernas, el cuerpo y el rostro con el cuerpo inmóvil de su hijo, cuya anatomía corresponde a la de una persona adulta. Se aprecia la diferencia entre los tonos claros del cuerpo y el rojo de la sangre.

La expresividad de Saturno es intensa: boca muy abierta y dedos hundidos en la carne.
La pintura tuvo originalmente como soporte la pared (Las Pinturas Negras) y, a finales del siglo XIX, fue trasladada a lienzo.
Destaca el color sobre el dibujo; la gama se mueve en blancos y negros (b/n) y tonos oscuros.
La pincelada es rápida, enérgica y a base de manchas.
El tratamiento de las figuras es naturalista pero con una expresión exagerada y deformada que influirá en el expresionismo.

Es una imagen muy violenta y oscura.

Interpretaciones (Icono)

La obra puede interpretarse desde diferentes puntos de vista: histórico, político y personal. Quizás Goya alude a unos tiempos oscuros en España marcados por desórdenes sociales, agitación y represión política. Saturno podría representar al monarca Fernando VII devorando a su pueblo, o bien al pueblo devorándose a sí mismo y a su futuro. Otra interpretación alude a los horrores de una enfermedad: el saturnismo (intoxicación por plomo) que sufrió Goya y que contribuyó a su sordera; para los alquimistas, Saturno era el símbolo del plomo.

Boccioni: Escultura y futurismo

FUE: Se trata de una escultura de bulto redondo en bronce, realizada por Umberto Boccioni en 1913. Pertenece a la época del futurismo y actualmente se encuentra en el MoMA de Nueva York. Boccioni realizó la escultura original en yeso en 1913 y fue expuesta en Italia poco después. Más tarde se realizaron diferentes copias en bronce, que hoy integran colecciones de varios museos alrededor del mundo. Boccioni nunca llegó a ver su obra fundida, pero pensó que la escultura debía realizarse en metal para revelar mejor los juegos de luz.

Boccioni fue uno de los principales exponentes del futurismo. Desarrolló elementos clave del movimiento como las líneas-fuerza y la simultaneidad.

Iconografía y lectura

La escultura representa una figura mitad humana, mitad máquina. Boccioni fusiona ambas realidades para representar lo que se percibía en la sociedad de la época. La pieza carece de brazos y rostro visibles, pero la gran anchura y la separación de las piernas hacen que esta ausencia quede diluida; la composición genera intencionadamente una gran sensación de tensión.

Transmite sensación de velocidad, rasgo innovador del futurismo y sello identitario del movimiento.
La idea de movimiento se obtiene mediante una multiplicidad de planos simultáneos y la superposición de formas, que busca engañar a la mente para asociar la obra estática con una sensación dinámica.
Su composición es abierta, y los contrastes de luces y sombras aumentan la sensación de continuidad y movimiento, fundiendo espacio y escultura.

Iconográficamente, esta es la obra escultórica más célebre del futurismo y se ha convertido en un ícono de las vanguardias de los primeros años del siglo XX. Muchos artistas posteriores desarrollaron su escultura partiendo de caminos abiertos por esta obra. El futurismo fue un movimiento de vanguardia que surgió alrededor de 1910; sus principales exponentes eran italianos.

Modernismo (Arquitectura)

Modernismo es el movimiento que cierra el siglo XIX en Europa y se extiende hasta comienzos del siglo XX, aproximadamente entre la década de 1890 y 1920, destacando especialmente en los años 90. Recibió diferentes nombres según los países: Art Nouveau, Modern Style, entre otros. La mayoría de estos calificativos refleja el rechazo y el afán de superación de la arquitectura histórica y ecléctica.

Fue un arte fomentado por una burguesía refinada que deseaba un estilo propio. Entre los antecedentes del Modernismo está el movimiento inglés “Arts & Crafts”, fundado por William Morris en 1861, que propugnaba una vuelta al diseño artesanal de calidad frente a la producción industrial.

El Modernismo abogó por la obra de arte total, desde la arquitectura hasta el diseño de muebles y utensilios domésticos.
Se incorporaron avances técnicos: uso combinado de materiales tradicionales y nuevos; estructuras metálicas que sostienen el edificio; decoración abundante que no pretende ocultar la estructura.
El espacio interior adoptó plantas libres y huyó de la simetría; la luz adquirió gran protagonismo.
El aspecto exterior mostró libertad de volúmenes y formas, buscando transmitir alegría y variedad al entorno urbano.

El Modernismo se aplicó a todo tipo de construcciones. Suele distinguirse entre dos tendencias:

Una más ondulante, desarrollada en Bélgica, Francia y España.
Otra más rectilínea, característica del mundo anglosajón, con relación al racionalismo del siglo XX.

Obras representativas

Victor Horta: Casa Tassel (Bruselas), considerada manifiesto del Art Nouveau por fundir estructura, función y ornamento.
Antoni Gaudí: Casa Milà, “La Pedrera” (Barcelona), producto de una burguesía catalana próspera que impulsó nuevas formas arquitectónicas, con referencias al mundo natural.

Romanticismo

El Romanticismo alcanzó su plenitud aproximadamente entre 1820 y 1850. Sus valores reflejaban el sentir de una burguesía que hizo del liberalismo y del nacionalismo su opción política. Sus rasgos característicos fueron:

Exaltación del individualismo.
Anhelo de libertad.
Reivindicación del sentimiento.
Tendencia a la ensoñación y la evasión.

El Romanticismo tuvo su mejor expresión en la literatura y la pintura. La temática romántica abarcó intereses variados, siempre desde la visión personal del artista:

Acontecimientos históricos o de actualidad que reflejaban ideales románticos.
Temas relacionados con la Edad Media.
Lugares exóticos.
Situaciones límite o desesperadas.
Paisajes sublimes o pintorescos.

La pintura romántica

Muchos pintores románticos recurrieron a recursos del Barroco:

Primacía del color por su capacidad expresiva.
Contrastes de luces y sombras por su dramatismo.
Movimiento acusado y actitudes expresivas por su vitalidad.

El romanticismo de la línea: Ingres

Para Ingres lo esencial era el dibujo, lo que le enfrentó a los románticos partidarios del color, con Delacroix a la cabeza. Se le consideró un pintor academicista y enemigo de las innovaciones. En su obra abundan la pintura histórica, los retratos y, sobre todo, los desnudos femeninos, que muestran una sensibilidad romántica. Obra destacada: El baño turco, culminación de una larga serie dedicada al desnudo femenino.

El romanticismo del color: Delacroix

Delacroix fue el dandy romántico que defendió el color frente al dibujo clasicista. Se le clasifica como un romántico del color. Obras destacadas:

La muerte de Sardanápalo: representa el momento en que el monarca asirio ordena ejecutar a sus mujeres y animales y prender fuego a sus pertenencias.
La libertad guiando al pueblo: representa la jornada de lucha del 28 de julio de 1830 en París, que inició la revolución que acabó con la monarquía de Carlos X.

Impresionismo

En los años sesenta del siglo XIX, un grupo de pintores decidió realizar en 1874 una exposición colectiva e independiente. El crítico de arte Louis Leroy fue destructivo con la técnica empleada por estos pintores y, en referencia al título de una de las obras expuestas, les aplicó con desprecio el calificativo de impresionistas.

El Impresionismo puede considerarse el primer movimiento artístico contemporáneo. Emprendió una profunda modernización formal, iniciando la preocupación por los valores plásticos específicos de la pintura, rasgo básico de muchas vanguardias posteriores.

Características generales

Pintura “al aire libre”.
Interés prioritario por la luz y sus efectos, con influencia de la fotografía.
Eliminación casi total de la línea y el dibujo en favor de la mancha de color.
Yuxtaposición de manchas de color.
Captación de lo instantáneo, plasmar lo momentáneo.
Técnica de ejecución rápida y pincelada suelta por la práctica al aire libre.
Adopción de puntos de vista y encuadres extraños, similares a la visión fotográfica.
Pérdida de importancia del tema en favor del tratamiento pictórico; se recurrió a temas cotidianos.

Manet

Manet puede considerarse inspirador del nuevo estilo, aunque pocas de sus obras son puramente impresionistas. Obras destacadas:

Almuerzo sobre la hierba: óleo sobre lienzo que causó escándalo.
Olympia: óleo que provocó mayor escándalo, remitiendo a maestros clásicos.

Vanguardias y artistas del siglo XX

Picasso, Miró y Dalí son tres de los mayores exponentes de la pintura del siglo XX.

Pablo Picasso (1881-1973)

Picasso fue uno de los fundadores del cubismo y simboliza al artista del siglo XX —comprometido con las causas de su época y explorador constante de nuevos caminos artísticos. Su evolución:

Estancia en Barcelona que influyó en su formación.
Llegada a París en 1900, donde asimiló el fauvismo, el impresionismo y el postimpresionismo.
Etapa azul: tonos fríos que muestran desamparo; influencia de El Greco.
Período rosa (1905-1907): personajes de circo y tonos suavizados.
1907: creación de Las señoritas de Aviñón, punto de partida del cubismo analítico junto con Braque.
Evolución hacia el cubismo sintético, con introducción del collage y la concepción de la obra como construcción de elementos plásticos.
Entre 1925 y 1935 su pintura cubista se pone al servicio del surrealismo.
En 1937 pinta Guernica como denuncia del bombardeo de la ciudad vasca durante la Guerra Civil.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es considerado el principal representante del surrealismo figurativo. Elaboró su método “crítico-paranoico”, empleando una técnica muy precisa y un brillante colorido para representar objetos y paisajes con realismo casi fotográfico. La persistencia de la memoria (1931) es su obra más conocida. Tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí orientó parte de su producción hacia la comercialización de modelos estéticos repetidos.

Joan Miró (1893-1983)

Miró es considerado el más importante pintor del surrealismo abstracto. Desde 1919 combinó el cubismo sintético con un sentido del humor personal. En 1923-24 pintó cuadros con elementos figurativos personales, líricos y emotivos, como Tierra labrada y El carnaval de Arlequín (1925), que marcan la transición hacia su lenguaje posterior, cada vez más abstracto. Durante la Guerra Civil española, sus obras reflejaron la tragedia del país.

Francisco de Goya: biografía y etapas

Goya está considerado uno de los pintores más extraordinarios de la historia del arte. Su obra destaca por su originalidad y carácter vanguardista; sus pinturas y grabados son testimonio de los conflictivos tiempos que vivió.

Etapa inicial (hasta 1792)

Goya se inició en la pintura en el taller de un pintor zaragozano. En 1771 recibió encargos importantes, como los frescos para la basílica del Pilar de Zaragoza. Desde 1774 hasta 1791 trabajó realizando cartones para tapices en la Real Fábrica. Paralelamente se perfeccionó como retratista. En 1786 fue nombrado Pintor del Rey y en 1789 Pintor de Cámara de Carlos IV.

Obra destacada: El quitasol.

Crisis personal (1792-1808)

En 1792 Goya sufrió una enfermedad que le dejó como secuela la sordera. Su obra evolucionó desde una visión más desenfadada a otra más crítica y atormentada.

Obras destacadas: Los caprichos, La familia de Carlos IV.

La guerra de la Independencia (1808-1814)

Independientemente de sus simpatías por un bando u otro, la obra de Goya refleja la crueldad, la tragedia y el espanto de la guerra. Sus protagonistas son seres anónimos de ambos bandos; su punto de vista es el de un testigo horrorizado que denuncia la brutalidad.

Obras destacadas: El 2 de mayo de 1808, Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808, Los desastres de la guerra.

La posguerra (1814-1824)

Tras la guerra, Fernando VII restauró el absolutismo y persiguió a los afrancesados y liberales. Goya vivió años de temor que agravaron su visión pesimista; en 1819 sufrió una grave enfermedad que lo llevó al borde de la muerte.

Obras destacadas: La tauromaquia, Los disparates o proverbios, Las pinturas negras (entre ellas Saturno devorando a su hijo).

Últimos años en Francia (1824-1828)

Tras el pronunciamiento de Riego en 1820 y la posterior restauración del absolutismo, Goya, desengañado, decidió exiliarse a Francia alegando tomar aguas termales. Se estableció en Burdeos, donde murió en 1828.

Obra destacada de la etapa final: La lechera de Burdeos.

Cubismo

El término cubismo surge en el marco de la experimentación plástica de las vanguardias. Entre 1907 y 1909, Braque y Picasso inventaron procedimientos para reproducir el espacio y las formas distintos al Fauvismo. Frente a éste, los cubistas sostuvieron que el análisis pictórico debía centrarse en la exploración de las formas.

El cubismo se vio favorecido por la obra de Cézanne y el puntillismo. En el cubismo se distinguen dos momentos: analítico y sintético.

Cubismo analítico

En la primera fase, las formas se fragmentan y se introducen como elementos geométricos. La preocupación era conseguir el equilibrio estructural del cuadro, considerándolo como un espacio en el que se ordenan las formas. El cubismo analítico, desarrollado entre 1909 y 1912 por Braque y Picasso, busca una formulación arquitectónica y abstracta que ofrezca una visión total de los objetos.

Técnica del facetado: representar el espacio mediante facetas.

Cubismo sintético

El cubismo sintético, que surgió en 1912, introduce recuerdos objetivos de la materia y espesa la pintura mezclando óleo con otras sustancias. Se incorporan papeles de periódico y otros materiales, dando lugar a los papiers collés (collage). Estas obras son, en general, más figurativas y fáciles de comprender.

Picasso y Braque introdujeron material gráfico como páginas de diario y papeles pintados en la obra, ampliando así los valores táctiles y visuales de la pintura.