Obertura: De Introducción a Pieza Sinfónica
Evolución del Concepto
Hasta el Romanticismo, la obertura francesa e italiana funcionaba como una introducción a obras dramático-teatrales, como una ópera, opereta, oratorio u otra clase de composición dentro del variado mundo de la música.
No obstante, al lado de esta función tradicional, en el siglo XIX (SXIX) surge un nuevo concepto: la obertura sinfónica, independiente de la ópera. Es concebida como una pieza sinfónica sin drama asociado.
Popularidad y Estructura
- Las oberturas de Rossini, a menudo consideradas sinfonías en algunas ediciones, se hicieron tan populares que lograron desprenderse de las óperas a las que debían acompañar, integrándose en los repertorios sinfónicos de muchas orquestas y directores.
- Generalmente, todas se basan en una misma estructura formal, consistente en:
- Introducción.
- Exposición del tema.
- Reexposición variada.
- Coda final.
Ópera en el Siglo XIX: El Romanticismo
Contexto y Público
El Romanticismo es fundamentalmente un fenómeno literario y teatral, aunque en el campo de la ópera se mezcla intrínsecamente con la música, donde alcanza una mayor representatividad.
El público del Romanticismo era mayoritariamente conservador, especialmente el amante de la ópera italiana, que se impuso en el resto de Europa, sobre todo en Francia.
El Imperio de la Voz y el Bel Canto
Este público, cautivado por el imperio de la voz, propició la proliferación de los divos, sobre todo en las voces agudas, quienes eran admirados hasta la adoración, convirtiéndose en el centro del espectáculo.
Sin embargo, la tradición del bel canto se empobreció al hacer de los malabarismos vocales el objeto principal, y a veces casi único, del libreto. Esto resultó en:
- Pobreza dramática de las situaciones.
- Absurdo de la acción, siempre que se sirviera con agudos.
La pobreza melódica italiana servía de contrapeso a los simples acompañamientos y a los frecuentes y vulgares coros. Hay que tener en cuenta que los cantantes de la época no sabían leer música, lo que hacía importante facilitar el montaje del espectáculo.
Giuseppe Verdi y *La Traviata*
La Figura de Verdi
La personalidad y el éxito que obtuvo Verdi desde sus primeras producciones están directamente ligados a la historia italiana. Como partidario de la unidad nacional, los coros de sus óperas, que cantaban a la libertad y a la fraternidad, se convirtieron en cantos patrióticos.
Verdi era un hombre de teatro nato y conocía perfectamente la música popular de las diversiones provincianas. Unido a su talento singular y a una sinceridad expresiva poco común, esto le proporcionó una comunicación especialmente estrecha con su público.
Evolución y Obras Clave
Los temas que escogía para sus dramas solían ser historias trágicas o heroicas. Con Rigoletto, El Trovador y La Traviata, Verdi alcanza una madurez y una profundidad completas.
A lo largo de su larga carrera, Verdi desarrolló un estilo rico en contrastes. Los hitos de esta evolución pueden ser La forza del destino y Don Carlo. Su vejez, rara vez alcanzada en la historia del arte, culmina en la cumbre de su producción con Otello y Falstaff.
Verdi constituye así uno de los más altos compositores del SXIX y de toda la historia del drama musical. Obras como Mefistofeles y Neron se sitúan a medio camino entre Verdi y el movimiento verdista.
Detalles de *La Traviata*
La Traviata es una ópera de cuatro actos. Se estrenó en el Teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853.
Verdi había creado esta obra a partir de la representación de La dama de las camelias, drama de Alexandre Dumas, sobre el cual basó el libreto, estrenado en el Teatro de Vaudeville de París en febrero de 1852.
Estructura Dramática
- En los primeros temas se adivina algo así como un presagio de muerte, que será el hilo conductor de toda la trama.
- El primer acto se abre con un preludio, una página breve pero intensa que encontrará su respuesta dramática en el análogo preludio del cuarto acto.
- El destino de Violetta está claramente marcado desde el principio de la obra, y todas sus acciones serán una lucha intensa por alcanzar la redención que los hombres y la naturaleza misma le niegan.
La acción transcurre en París y sus alrededores hacia 1850, y comienza con un aire festivo que descubre en pocos trazos el ambiente donde se desarrolla la trama.
Verismo: La Representación de la Realidad
Origen y Características
Como consecuencia del realismo y del naturalismo del SXIX, surge una nueva corriente musical llamada Verismo. Tuvo origen en Italia y se caracteriza por predominar en exceso la representación directa de la realidad, sin excluir lo feo ni lo desagradable.
El Verismo emparenta con la novela naturalista del siglo XIX, cuyo principal representante es Giovanni Verga.
Objetivos del Verismo
La escuela verista aspiró a que la acción dramática resultase lo más viva posible. Sus protagonistas eran gente de carne y hueso que se comportaban como personas de la vida real, extraídos preferentemente de las clases burguesas y humildes.
El compositor verista debía suavizar las situaciones más destacadas mediante efectos melodramáticos.
Autores Representativos
- Pietro Mascagni con Cavalleria Rusticana.
- Leoncavallo con Payasos (Pagliacci).
Ambos alcanzaron gran éxito por su intensidad dramática y sus indudables aciertos musicales. Sin embargo, la figura más destacada del verismo es, sin duda, Giacomo Puccini.