Charles Ives: Síntesis y Vanguardia Musical
Charles Ives sintetizó tradiciones musicales internacionales y regionales, combinando elementos de la música norteamericana, sacra protestante, clásica europea y experimental. Utilizó todos estos estilos como recurso retórico para transmitir ricos significados musicales y proporcionar un amplio espectro de experiencias extramusicales, como se evidencia en General William Booth Enters into Heaven.
Creció rodeado de música autóctona americana y, en su música experimental, buscó preservar la mayor parte de las reglas tradicionales, aunque alterando algunos rasgos, explorando la politonalidad y nuevas técnicas. Ejemplos de su obra incluyen Processional y Scherzo: All the Way Around and Back.
Técnicas Composicionales de Ives
- Síntesis y Forma Cumulativa: Empleó un procedimiento de fragmentación y desarrollo temático, similar a las formas europeas de sonata y sinfonía, pero invirtiendo su curso normal (desarrollo primero y temas íntegros solo al final).
- Collage Musical: En algunas piezas, utilizó múltiples tonadas superpuestas a modo de collage.
- Representación Sonora: Aplicó técnicas desarrolladas de música experimental para representar sonidos o movimientos específicos, como la bruma o los petardos.
La Tecnología y la Transformación Musical en el Siglo XX
El Impacto de la Grabación y la Radio
La nueva tecnología afectó profundamente los estilos interpretativos. La introducción de la grabación electrónica permitió registros más sensibles, lo que estimuló a los autores a escribir piezas adecuadas para un estilo de canto más íntimo, favoreciendo a cantantes como Frank Sinatra y Bing Crosby.
Los músicos se beneficiaron de la publicidad a través de la radio, ya que la música resultó ser un excelente modo de rellenar los períodos de tiempo de emisión, especialmente a partir de 1924. Las grabaciones y la radio originaron un crecimiento sin paralelo en el tamaño de la audiencia para todo tipo de música, ahora disponible para casi todo el mundo. Este fenómeno condujo directamente al desarrollo del cine sonoro.
La Música Popular Norteamericana de los Años 20
El Musical de Broadway y Hollywood
Los años 20 fueron testigos de un gran enriquecimiento de la música popular norteamericana. La canción popular y la música para teatro estaban muy unidas; muchas canciones se presentaban en musicales y, después de su estreno, se vendían en partituras. Con la llegada de la tecnología del sonido al cine, nació el musical de Hollywood, que se convirtió en una principal fuente de ingresos. Entre los autores importantes de esta era destacan George Gershwin, Irving Berlin y Jerome Kern.
George Gershwin: Puente entre Clásico y Jazz
George Gershwin fue tanto compositor de música clásica bajo la influencia del jazz como escritor de canciones populares y musicales. Comenzó escribiendo para revistas y evolucionó progresivamente hacia musicales más integrados, aventurándose incluso en la crítica social en algunos espectáculos. Muchos de sus musicales lanzaron al estrellato a numerosos cantantes.
Su estilo tiende a atraer la atención al principio de las obras con rasgos más inusuales, para luego regresar gradualmente a ritmos más convencionales. Su armonía cambia con mayor rapidez, es más cromática y abarca un ámbito mayor (con numerosos acordes de séptima y novena, lo que aumenta el nivel global de sonidos disonantes). Refleja la energía del jazz y el optimismo de los musicales de Broadway, como en su famosa canción I Got Rhythm. Tanto su estilo como su actitud despreocupada se extrajeron del jazz, y posteriormente, la canción se utilizó como medio de improvisación jazzística.
Obras Destacadas de Gershwin:
- Lady, Be Good!
- Girl Crazy (lanzó a Ethel Merman)
- Of Thee I Sing
- Porgy and Bess (incluye la célebre Summertime)
La Era del Jazz y el Blues
Orígenes y Evolución del Blues
La era del jazz surgió en los años 20, cuando una nueva generación fomentó un espíritu de liberación social. El blues fue uno de los géneros más influyentes a principios de los años 20, procedente de una combinación de canciones rurales de trabajo y otras tradiciones afroamericanas. Los blues clásicos eran interpretados por cantantes femeninas afroamericanas como Ma Rainey y Bessie Smith.
Gracias a W.C. Handy, conocido como el «padre del blues», se unieron aspectos de la tradición oral con elementos de la canción popular, y se consolidó la forma estándar de blues de doce compases, ejemplificada en Back Water Blues.
El Jazz de Nueva Orleans: Cuna de la Improvisación
El jazz se había establecido en Nueva Orleans, la capital del jazz, donde gozaba de una creciente popularidad desde finales de la década de 1910. La improvisación era el elemento más importante del jazz, aunque las melodías en estilo de improvisación a menudo se elaboraban en ensayos, se tocaban de memoria o se escribían y ejecutaban desde la partitura.
El estilo más destacado de jazz se conoce como Jazz de Nueva Orleans y se centra en la variación en grupo de una melodía dada, resultando en un contrapunto de líneas melódicas con la alternancia de solos, durante los cuales el resto del conjunto suena de fondo rítmico. Destacan figuras como el cornetista Joe «King» Oliver, el trompetista Louis Armstrong y el pianista Jelly Roll Morton.
El Jazz de Nueva Orleans adopta como punto de partida el blues de doce compases, un ritmo procedente del ragtime de 16 compases o una forma de canción popular de 32 compases. Siempre presenta al principio un chorus (tonada sobre una progresión armónica que se repite varias veces mientras los distintos solistas o combinaciones de instrumentos tocan sobre ella). Cada chorus implica instrumentos diferentes e ideas musicales nuevas.
La Música en el Cine: De la Gran Depresión a las Bandas Sonoras Icónicas
El Cine Sonoro y sus Consecuencias
La llegada del cine sonoro dejó a muchos músicos de teatro en paro, lo que empeoró la situación económica durante la Gran Depresión. Sin embargo, las grabaciones y la radio fomentaron el crecimiento del jazz, y las nuevas tecnologías también transformaron la música del cine. Se inventaron métodos para sincronizar el sonido grabado con la película alrededor de 1920. La primera película hablada fue The Jazz Singer, protagonizada por Al Jolson.
Categorías de Música Cinematográfica
Existen dos categorías principales de música cinematográfica:
- Música Diegética: Aquella en la que los propios personajes participan en su escucha o interpretación, formando parte de la acción en pantalla.
- Música de Fondo (No Diegética): No forma parte de la acción y no se muestra en escena; su función es transmitir un estado de ánimo u otros aspectos emocionales de la escena.
Pioneros de la Banda Sonora de Hollywood
Los estudios de Hollywood fomentaron el nacimiento de bandas sonoras completamente integradas en la acción dramática. Max Steiner estableció el modelo de banda sonora de Hollywood con su música para King Kong. Coordinaba la música con las acciones de la pantalla, a menudo marcando movimientos concretos con efectos musicales. Su música transmitía el estado anímico, el carácter y el lugar a través de estilos musicales fuertemente asociativos (primitivismo de ambiente africano, romanticismo orquestal para momentos dramáticos) y empleaba técnicas modernistas cuando resultaban apropiadas (intensas disonancias para el miedo). Compuso las bandas sonoras de Gone with the Wind y Casablanca, entre sus mejores trabajos.
También destacó Erich Wolfgang Korngold con sus partituras para Captain Blood y The Adventures of Robin Hood. Otros compositores desarrollaron música para dibujos animados del pionero Walt Disney, como Snow White and the Seven Dwarfs.