Narrativa Transmedia: Una nueva forma de contar historias
La narrativa transmedia es una forma de contar historias que surge cuando los medios de comunicación y el público evolucionan. Tradicionalmente, una historia se contaba en un solo medio: una novela, una película o una serie. Hoy en día, las historias ya no viven en un solo lugar. Vivimos rodeados de pantallas: móviles, ordenadores, redes sociales, plataformas digitales, videojuegos, etc. Por eso surge la narrativa transmedia.
¿En qué consiste?
Consiste en contar una misma historia a través de distintos medios (libros, cine, videojuegos…), pero con una condición fundamental: cada medio cuenta una parte diferente de la historia, sin perder la esencia.
¿Qué no es narrativa transmedia?
No se considera transmedia cuando:
- La misma historia se repite igual.
- No se añade información nueva.
- Solo cambia el formato.
Ejemplo claro: Una noticia que aparece igual en televisión, en un periódico y en una web. Aunque esté en muchos formatos, no es transmedia porque el contenido es idéntico.
Diferencia entre narrativa multimedia y narrativa transmedia
- Narrativa multimedia: La historia es la misma, pero se presenta usando distintos formatos (texto, imagen, vídeo, audio). Ejemplo: Un reportaje web con texto, fotos y vídeos que cuenta siempre lo mismo.
- Narrativa transmedia: La historia se divide y se expande. Cada formato aporta información distinta. Ejemplo: Una película presenta la historia principal, una serie cuenta el pasado de un personaje y las redes sociales muestran su vida cotidiana.
La clave reside en la palabra expandir.
¿Por qué aparece la narrativa transmedia?
Aparece porque ha cambiado la forma en que consumimos historias. Antes, el público era pasivo (solo miraba o leía, no participaba). Ahora, el público comenta, comparte y crea contenido. El espectador se convierte en usuario, participante y, a veces, creador. Las historias se adaptan a esta nueva forma de consumir contenidos.
Los 7 principios de la Narrativa Transmedia (Henry Jenkins)
- Difusibilidad vs. Profundización:
- Difusibilidad: Capacidad del contenido para circular fácilmente por distintas plataformas y ser compartido. El relato se diseña para ser “expandible” y conectar con la cultura participativa (memes, clips, remix, fandoms).
- Profundización: Capacidad del relato para invitar a una inmersión profunda, donde los fans exploran e investigan para descubrir capas, tramas o información oculta.
- Continuidad vs. Multiplicidad:
- Continuidad: Se busca mantener coherencia narrativa y canónica en todos los medios. El universo debe ser consistente (líneas temporales, personajes, tono).
- Multiplicidad: Permite variaciones, versiones alternativas, líneas paralelas o universos posibles.
- Inmersión vs. Extractibilidad:
- Inmersión: El espectador entra en el mundo narrativo (videojuegos, VR, parques temáticos).
- Extractibilidad: Los fans sacan elementos del relato al mundo real (merchandising, cosplays, símbolos). Ejemplo: Los fans de Harry Potter que llevan bufandas de la película.
- Worldbuilding (Construcción de mundos): Se crean universos ficcionales amplios, coherentes y habitables. No es una sola trama, sino un ecosistema narrativo, como en Juego de Tronos.
- Serialidad: La historia se despliega por fragmentos o episodios distribuidos en diferentes plataformas que forman un todo. Es una segmentación narrativa estratégica.
- Subjetividad: Permite explorar distintas perspectivas de un mismo universo, dando voz a personajes secundarios o versiones que no aparecen en la historia principal.
- Performatividad o participación activa: Las audiencias actúan dentro del relato, produciendo e interpretando la historia con sus propias creaciones (fanart, fanfic, teorías, roleplays).
Los 10 mandamientos de Robert McKee
- No le quitarás de las manos la crisis/el clímax al protagonista (Anti deus ex machina): El protagonista debe resolver el conflicto. Si una fuerza externa lo salva, la historia pierde fuerza. La resolución debe surgir de sus decisiones.
- No le facilitarás la vida al protagonista: El progreso dramático ocurre ante los obstáculos. Cada escena debería aumentar la dificultad o el coste emocional.
- No harás una exposición porque sí; dramatízala: La información debe integrarse en la acción como «munición» para cambiar la dinámica de una escena.
- No utilizarás falsos misterios ni sorpresas fáciles: No ocultes información que el protagonista ya sabe solo para engañar al público. La tensión debe surgir del conflicto real.
- Respetarás a tu público: No escribas solo para «vender». Asume que la audiencia es inteligente y sensible; evita clichés y manipulaciones burdas.
- Conocerás tu mundo como Dios conoce este: Se requiere investigación y coherencia interna. Si el autor no conoce su mundo, la historia se vuelve arbitraria.
- No complicarás con nuevos elementos innecesarios: Distingue complejidad (buena) de complicación (mala). Utiliza los tres niveles de conflicto: intrapersonal, interpersonal y extrapersonal.
- Llevarás las situaciones al límite: «Niega la negación». Empuja cada escena a un extremo emocional o moral más profundo que el anterior para que la trama sea intensa.
- No escribirás con evidencia; usa el subtexto: Lo que los personajes dicen rara vez es lo que piensan. El subtexto crea capas y riqueza emocional.
- Reescribirás: El primer borrador es para descubrir; los siguientes son para construir. La creación depende de la reescritura.
Lecturas y referentes teóricos
- Roland Barthes: Defiende que el texto no tiene un solo significado; el lector participa activamente en la interpretación de los «textos abiertos».
- Susan Sontag: Critica la sobreinterpretación y destaca la importancia de la experiencia visual en la fotografía y el arte.
- Robert Stam: Especialista en adaptación; sostiene que adaptar no es copiar, sino reinterpretar.
Técnicas de Narración: Decir vs. Mostrar
- Decir: Explicar directamente algo al espectador. Ejemplo: «Juan está triste porque ha perdido su trabajo».
- Mostrar: El espectador deduce la información a partir de acciones o gestos. Ejemplo: «Juan llega a casa, deja las llaves lentamente, se sienta y se queda mirando al vacío».
En el ámbito audiovisual siempre se prefiere mostrar porque es más visual, emocional y hace participar al espectador.
Estilo y voz propia
Aunque dos personas cuenten la misma historia, nunca lo harán igual.
- El estilo: Es la forma de contar la historia (ritmo, tipo de planos, lenguaje, tono).
- La voz propia: Es la mirada personal del autor, su sensibilidad y su punto de vista único.
El conflicto: La base de toda historia
Sin conflicto no hay historia. Todo personaje quiere algo y encuentra un obstáculo que se lo impide.
- Conflicto interno: Ocurre dentro del personaje (miedo, culpa, dudas).
- Conflicto externo: Proviene del entorno (otra persona, la sociedad, la naturaleza).
Figuras retóricas en la narrativa
Enriquecen la narración audiovisual y la hacen más profunda:
- Metáfora: Una cosa representa otra (una casa en ruinas como símbolo de una relación rota).
- Símbolo: Un elemento con significado especial (un objeto que representa un trauma).
- Ironía: Mostrar lo contrario de lo que se expresa (un personaje dice que todo va bien mientras su vida se desmorona).