Epitafio de Seikilos
Época: Antigua Grecia. Se ha datado en torno al siglo I d. C. y se conserva en el Museo Nacional de Copenhague.
Autor: Desconocido.
Género: Vocal profano. Se oyen instrumentos de cuerda y es una melodía acompañada y monódica. Es uno de los escasos ejemplos de música antigua griega que se ha conservado y que podemos transcribir e interpretar. En una estela pétrea cilíndrica, procedente de la localidad de Aidin (cerca de Trailles, en Asia Menor, la actual Turquía), aparece escrito un brindis o skolion con música. En los primeros versos aparece su atribución a Seikilos o Sicilo, quien lo habría hecho inscribir sobre una de las columnas de la tumba de su esposa. Consta de una melodía sencilla, estructurada a base de frases bien definidas, con cadencias y descansos bien marcados. Tiene un carácter de desánimo, debido a su naturaleza funeraria y evocadora. Las notas (sonidos) y el ritmo (duraciones) aparecen escritos en una notación musical rudimentaria que ha sido descifrada. El mensaje hace referencia a una de las máximas filosóficas de la Antigüedad: el carpe diem.
Introito Gregoriano: Puer Natus Est Nobis
Es el Introito de la Misa de Navidad (parte introductoria perteneciente al Propio de la Misa, es decir, un canto «propio» de ese día).
Época: 590-604 d. C., Edad Media.
Autor: Desconocido.
Género: Vocal religioso. Consta de una primera parte, la antífona, que toma el texto de una lectura bíblica relacionada con el momento litúrgico (la premonición del profeta Isaías sobre el nacimiento del Mesías), y de una segunda parte compuesta por salmos. A continuación, la melodía del salmo se repite con el texto del Gloria Patri. Su estructura es ABB’A, y es habitual que el coro se divida en dos para interpretar cada parte de manera alterna. Predomina el estilo silábico, con el añadido de algunos adornos de dos, tres o cuatro notas en estilo neumático sobre determinadas sílabas. Destaca el melisma de siete notas sobre la sílaba de la palabra eius; el adjetivo posesivo directamente referido al Mesías: humerum eius (sus hombros), como recurso de intensificación del texto. Es especialmente característico el ascenso inicial de sol a re, un intervalo de quinta que intensifica desde el comienzo el significado de la palabra puer (el niño llamado a convertirse en el Mesías) y permite que la melodía sea reconocible.
Secuencia Gregoriana: Dies Irae, Dies Illa
La secuencia de difuntos Dies Irae es una de las cuatro que sobrevivieron a la reforma del Concilio de Trento, junto con Victimae Paschali Laudes de Pascua, Veni Sancte Spiritus de Pentecostés y Lauda Sion Salvatorem para la celebración del Corpus Christi.
Época: Siglo XIII, Edad Media.
Autor: Tomás de Celano, amigo de San Francisco de Asís.
Género: Vocal religioso. Se considera uno de los mejores poemas del latín medieval. Describe el día del Juicio Final, con la última trompeta llamando a los muertos ante el trono divino, donde los elegidos se salvarán y los condenados serán arrojados a las llamas eternas. Las secuencias se cantaban después del Aleluya, y finalmente se convirtieron en unidades melódicas y formales independientes. Según su estructura musical, se denomina secuencia de doble curso, en la que las frases se van repitiendo por pares (aa bb’ cc’ dd’…). Es un canto silábico. Esta secuencia ha sido enormemente utilizada por los compositores en sus obras, ya que es la parte más extensa de la Misa de Difuntos o Réquiem.
G. F. Haendel: For Unto Us a Child Is Born del Oratorio El Mesías (1685-1759)
Época: Siglo XVII, Barroco.
Autor: Haendel.
Género: Vocal religiosa. Es un oratorio con una estructura particular, al no seguir un argumento como tal; trata sobre el nacimiento y vida de Cristo a partir de textos tomados de diferentes pasajes bíblicos, y no de una única fuente narrativa. El Aleluya toma su texto del Libro del Apocalipsis, del Nuevo Testamento. El recopilador de los textos que dieron lugar al libreto, Charles Jennens, lo concibe más que con la uniformidad narrativa de un oratorio, con una intensidad dramática de estilo cercano a la ópera, al estructurarse la obra en tres actos, cada uno con sus escenas:
- Acto I: Adviento y Navidad
- Acto II: Pasión, Muerte, Resurrección, Ascensión
- Acto III: Victoria sobre la muerte, Juicio final, Amén. (El Aleluya pertenece a este último acto).
Es una polifonía con melodía acompañada, interpretada por orquesta, coro y solistas. La orquesta acompaña a las voces en todo momento e interpreta sola dos únicas partes: la sinfonía inicial (que ejerce de obertura) y la pifa que celebra el nacimiento de Cristo.
Canción Goliárdica de la Colección Carmina Burana: In Taberna Quando Sumus
Los Carmina Burana son los poemas goliárdicos más célebres, que se traducen como «Cantos de Beuren».
Época: Los poemas que integran la colección se sabe que fueron reunidos hacia 1225 y se encontraron en el monasterio benedictino de Beuren, en Baviera.
Autor: Goliardos o desconocido.
Género: Vocal profano. Hoy se conserva en Múnich. Están en lenguas latina y bajo-alemán, y de ellos Orff tomó selecciones de los temas más representativos de la poesía de los clérigos vagantes: la inconstancia de la suerte, la primavera y sus múltiples manifestaciones de vida; la embriaguez, el sarcasmo, la ridiculización y los placeres sensuales. La poesía goliárdica surgió junto a la poesía latina culta y fue una expresión más libre que suponía la misma preparación que la utilizada por los letrados. Fue sumamente rica y coincide con el movimiento cultural que se extendió por toda Europa durante los siglos XII y XIII. Las colecciones que se han conservado de los goliardos comprenden un corpus con toda clase de composiciones, religiosas y profanas; un mismo autor podía atenerse tanto a una como a otra tendencia. Su poesía podía incluir sátiras crueles o composiciones de un realismo sorprendente. Sin embargo, se apartaban de las metáforas clásicas y añadían reflexiones acerca del destino de los hombres, la alegría, la euforia por la embriaguez y el vino, lo sagrado y lo profano. Esto suponía ya una quiebra del teocentrismo. La canción In taberna quando sumus tiene una estructura ABA’ (pequeño rondó). En la parte central, hace una imitación burlesca del canto gregoriano. Es una exaltación de los placeres de la vida y del desenfreno, así como una crítica a las funciones litúrgicas (sobre todo la imitación del canto gregoriano en la parte central, el brindis). Resume muy bien los ideales goliárdicos: exaltación de los placeres mundanos, de la vida desenfrenada, del vino, del amor, críticas al clero y a las autoridades, etc. Esta poesía difiere de la clásica en que ha sustituido la cantidad silábica por la rima, siendo el origen de la métrica moderna.
Josquin des Prez: Chanson Mille Regretz (1450/55-1521)
Época: Siglo XV, Renacimiento.
Autor: Josquin des Prez, un compositor borgoñón, la figura musical más célebre de su tiempo.
Género: Vocal profana. Es una chanson (canción) polifónica a cuatro voces, de textura homofónica (todas las voces cantan las mismas sílabas de manera simultánea), con pequeños adornos melódicos en las cadencias. En determinados momentos, dos voces cantan simultáneamente (en homofonía una con otra), respondiendo las otras dos a continuación. Este recurso fue muy utilizado por Josquin y recibe el nombre de bicinia. Josquin logra una atmósfera de melancolía perfecta para la expresión del poema, que habla de amor abandonado y triste despedida. La recurrencia de motivos melódicos de similar carácter, perfectamente identificables (como el motivo inicial, que aparece varias veces a lo largo de la obra), intensifica esas sensaciones. Fue una pieza muy conocida en toda Europa durante el siglo XVI, especialmente valorada y difundida en España. El vihuelista Luys de Narváez publicó en sus Seis libros del Delphín una versión para vihuela con glosas bajo el título Canción del Emperador, mostrando la predilección de Carlos V por Mille Regretz. Nicolás Gombert, un músico franco-flamenco que desarrolló parte de su carrera en España al servicio de Carlos V, compuso una versión a cinco voces en honor al emperador. Cristóbal de Morales compuso su Misa Mille Regretz, utilizando como base musical la chanson de Josquin. Susato incluye en su colección de danzas La Danserye una versión de esta canción a la que llama Pavana Mille Regretz (la pavana es una danza de corte del Renacimiento en ritmo binario marcado y lento, que responde perfectamente al esquema de la chanson de Josquin). La chanson Mille Regretz de Josquin fue impresa en otras versiones para laúd y conjunto instrumental. La predilección que le profesaba el emperador Carlos hubo de influir en tanta celebridad, pero el factor determinante es la belleza de la canción unida a su sencillez y perfecta expresión literaria. El camino de difusión y reelaboración de esta obra es un buen ejemplo de la celebridad que en el Renacimiento obtuvieron algunos de los compositores más señalados y, al mismo tiempo, del creciente prestigio social de su oficio.
J. S. Bach: Pasión según San Mateo (Coro Inicial: Kommt, Ihr Töchter, Helf Mir Klagen) (1685-1750)
Época: Siglo XVIII, Barroco.
Autor: Bach.
Género: Vocal religioso. La obra está escrita para dos coros, cada uno formado por un grupo de cuatro voces (soprano, contralto, tenor y bajo) y un grupo de instrumentos (dos flautas, dos oboes, oboe d’amore, cuerdas y bajo continuo). Además, en los números 1 y 35 aparece una voz extra de sopranos (soprano in ripieno), que comúnmente es cubierta por un coro de niños (en contraposición a las voces femeninas de los dos coros). Sin embargo, esta tradición no corresponde con las intenciones de Bach, puesto que los coros en las iglesias no utilizaban voces femeninas, sino únicamente de niños y de falsetistas, y no distinguían entre las voces de los coros I y II y la de soprano in ripieno. Según la tradición de las pasiones oratóricas, el texto bíblico se encuentra musicalizado de forma relativamente sencilla en recitativos, mientras que los ariosos y las arias, largas y contemplativas, presentan nuevos textos poéticos que comentan los diversos eventos de la narración bíblica y dan un carácter más íntimo a la vida de Cristo. Entre los recitativos, ariosos y arias se encuentran también corales intercalados, que permiten la participación activa de la congregación (que conocía las melodías y sus textos), y que igualmente comentan y llevan a la reflexión sobre las principales escenas de la Pasión. La obra desarrolla además una fantástica sensación estereofónica mediante su doble coro y orquesta, que dialogan constantemente, principalmente en el coro de entrada y en el coro final, pero también en algunos de los coros intermedios. Este formato doble constituye una gran diferencia frente a la mayor parte de los trabajos interpretados en los servicios religiosos dominicales. En la Pasión según San Mateo, Bach trabaja con diversos símbolos musicales. Por ejemplo, las palabras de Cristo siempre son acompañadas por tonos largos de las cuerdas, que se utilizan como símbolo de lo divino, mientras que los demás personajes solo son acompañados por el bajo continuo. Únicamente cuando Cristo pronuncia sus últimas palabras, las cuerdas callan, representando que Cristo se ha convertido en hombre.
J. Haydn: Cuarteto “Emperador” (2º Mov.)
Época: Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII).
Género: Instrumental, música de cámara, profana.
Melodía
El movimiento se basa en una melodía principal que Haydn compuso originalmente como himno nacional para Austria (Gott erhalte Franz den Kaiser). La melodía es sencilla, clara y ornamentada con variaciones.
Ritmo
Ritmo binario regular (2/2). El movimiento tiene un carácter sereno y solemne, con un tempo poco adagio cantabile.
Armonía/Textura
Armonía tonal, típica del Clasicismo, en la tonalidad de Sol mayor. La textura predominante es homofónica en la melodía principal, pero desarrolla momentos polifónicos en las variaciones.
Tímbrica
Escrita para cuarteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo. Los instrumentos comparten la melodía en diferentes momentos, explorando distintos registros y sonoridades.
Dinámica
Alterna dinámicas suaves y graduales (piano, pianissimo) para mantener el carácter introspectivo de la obra.
Agógica
El movimiento es pausado (poco adagio), y mantiene un flujo uniforme con variaciones en el fraseo.
Forma
Tema y variaciones. El movimiento presenta una exposición del tema principal y varias variaciones, donde la melodía es decorada y armonizada de forma progresiva.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
El «Cuarteto Emperador» pertenece a la última serie de cuartetos compuestos por Haydn (Op. 76), creados en 1796-1797, en un momento de madurez estilística. Esta obra refleja el estilo clásico en su estructura formal clara, equilibrio entre melodía y armonía, y el empleo de formas típicas (como tema y variaciones). El tema principal es un homenaje a la monarquía austríaca y un ejemplo del uso de melodías nacionales en el repertorio clásico.
J. Haydn: Sinfonía Nº94 en Sol Mayor “La Sorpresa” (2º Mov.)
Época: Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII).
Género: Instrumental, música sinfónica, profana.
Melodía
Melodía sencilla y cantable en la introducción, con un carácter popular y juguetón. La «sorpresa» se enfatiza mediante un cambio dinámico repentino que interrumpe la línea melódica inicial.
Ritmo
Compás de 2/4, con un ritmo regular que resalta el carácter ligero y humorístico del movimiento. Contrastes rítmicos menores añaden interés en las variaciones.
Armonía/Textura
Armonía tonal basada en Sol mayor, con modulaciones típicas del Clasicismo en las secciones de desarrollo. La textura es predominantemente homofónica, con momentos de mayor densidad en las variaciones.
Tímbrica
Orquesta clásica: cuerdas (violines, violas, violonchelo, contrabajo), maderas (flautas, oboes, fagotes), metales (trompas, trompetas) y timbales. La «sorpresa» se enfatiza con un tutti repentino que incluye los timbales.
Dinámica
Gran contraste dinámico, con un pianissimo inicial interrumpido bruscamente por un fortissimo inesperado. Este efecto se repite con variantes en las variaciones.
Agógica
Tempo andante; el carácter es relajado pero con un pulso constante que se mantiene incluso en los momentos de «sorpresa».
Forma
Tema y variaciones. El tema principal es seguido por varias variaciones, cada una con modificaciones en la orquestación, dinámica y textura.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Compuesta en 1791 como parte de las Sinfonías de Londres, la Sinfonía n.º 94 muestra el ingenio característico de Haydn. La «sorpresa» del segundo movimiento refleja el humor y la creatividad del compositor, que buscaba mantener la atención del público en los conciertos. Este efecto, junto con la claridad melódica y la forma de tema y variaciones, es un ejemplo típico del estilo clásico de Haydn, que combina equilibrio formal con momentos inesperados.
W. A. Mozart: Sonata para Piano en Do Mayor Nº16, K. 545 (1er Mov.)
Época: Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII).
Género: Instrumental, música para teclado, profana.
Melodía
Melodía clara, sencilla y elegante, típica del estilo clásico. Utiliza frases regulares (períodos de pregunta-respuesta) y motivos recurrentes. El tema principal es diáfano y memorable, destacando la cantabilidad.
Ritmo
Ritmo regular y estable en compás de 4/4, con un carácter animado y fluido. Se percibe un equilibrio entre la pulsación del bajo y la movilidad de la mano derecha.
Armonía/Textura
Armonía tonal en Do mayor. Textura predominantemente homofónica, con líneas melódicas acompañadas por acordes o arpegios en la mano izquierda.
Tímbrica
Escrita para piano, el instrumento principal del Clasicismo. La pieza aprovecha la capacidad del piano para ejecutar dinámicas contrastantes y una articulación clara.
Dinámica
Contrastes dinámicos sutiles entre piano y forte, utilizados para articular frases y secciones.
Agógica
Tempo allegro. Movimiento rápido y alegre, pero con un carácter ligero y equilibrado, típico de la música de Mozart.
Forma
Sonata-allegro.
- Exposición: Presenta dos temas principales, el primero en Do mayor (tónica) y el segundo en Sol mayor (dominante).
- Desarrollo: Explora y transforma elementos de los temas en tonalidades cercanas.
- Reexposición: Reitera ambos temas, esta vez con el segundo tema regresando a la tonalidad principal (Do mayor).
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Conocida como una «pequeña sonata fácil», Mozart compuso esta obra en 1788 como ejemplo del estilo clásico: equilibrio formal, claridad melódica y simplicidad armónica. Aunque destinada a estudiantes o amateurs, esta sonata demuestra la maestría de Mozart para convertir ideas simples en música profundamente expresiva y elegante. Es un reflejo de la transición del clavicémbalo al piano como instrumento solista principal durante el Clasicismo.
L. Beethoven: Sonata para Piano Nº8 en Do Menor “Patética” (1er. Mov.)
Época: Clasicismo tardío (finales del siglo XVIII), con elementos que anticipan el Romanticismo.
Género: Instrumental, música para teclado, profana.
Melodía
La obra alterna entre melodías líricas y dramáticas, mostrando un contraste expresivo. En la introducción (Grave), la melodía es solemne, mientras que en el Allegro di molto e con brio, el tema principal es enérgico y anguloso, con tensiones y resoluciones características del estilo de Beethoven.
Ritmo
Ritmos marcados y dinámicos. En la introducción, los ritmos son lentos y pesados, con pausas dramáticas. En el Allegro, el ritmo es rápido y motorístico, reforzando el carácter apasionado del movimiento.
Armonía/Textura
Armonía rica y dramática, con frecuentes modulaciones. La tonalidad principal es Do menor, que enfatiza el carácter trágico. La textura varía entre secciones homofónicas (introducción) y pasajes contrapuntísticos (desarrollo).
Tímbrica
Compuesta para piano, el instrumento permite explorar contrastes de color, desde acordes graves y pesados hasta líneas melódicas delicadas en registros altos.
Dinámica
Uso extremo de dinámicas: desde pianissimo hasta fortissimo, con frecuentes cambios que intensifican la expresividad.
Agógica
La introducción tiene un tempo Grave, que contrasta fuertemente con el Allegro di molto e con brio del cuerpo principal, destacando los cambios de carácter.
Forma
Sonata-allegro:
- Introducción (Grave): Dramática, establece el tono trágico.
- Exposición: Presenta dos temas principales: el primero, en Do menor, es vigoroso y sombrío; el segundo, en Mi bemol mayor, más lírico y contrastante.
- Desarrollo: Explora fragmentos de los temas con modulaciones dramáticas, intensificando la tensión.
- Reexposición: Retorna ambos temas, ajustados a la tonalidad principal, con un final contundente.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Compuesta en 1798, la Sonata «Patética» muestra a un Beethoven joven que rompe con la tradición clásica de Mozart y Haydn, introduciendo una intensidad emocional y un dramatismo sin precedentes en una sonata para piano. El uso de Do menor, una tonalidad trágica recurrente en su obra, junto con los contrastes extremos de dinámica y carácter, señala el inicio de su lenguaje personal que influirá en el Romanticismo. La «Patética» se considera una de las obras más representativas de su primera etapa creativa.
F. Schubert: Lied “Das Wandern” de la Colección La Bella Molinera
Época: Siglo XIX, Romanticismo.
Autor: Schubert.
Género: Vocal profano. Monódica, con melodía acompañada, destacando una voz masculina. El Romanticismo se caracteriza por una libertad en la forma, predominando la fantasía y la expresión libre de emociones. Hay ricas modulaciones, armonías, cromatismos y un fuerte uso de la disonancia. La textura es compleja y densa, no siempre clara. Se le da una mayor importancia a la orquesta, creciendo sobre todo la sección de viento. Se busca la unidad de la obra, con nuevos sistemas como el Leitmotiv de Wagner. En la obra de Schubert destacan ocho sinfonías, aunque la última quedó inconclusa. Toma gran influencia de Beethoven y presenta una gran riqueza melódica.
G. Verdi: Coro de Esclavos de la Ópera Nabucco
Época: Siglo XIX, Romanticismo.
Autor: Verdi.
Género: Música escénica. Pertenece a la obra Nabucco, surgida en el primer periodo de Verdi, entendida en el contexto del Risorgimento Italiano, al tratarse de una obra política que busca incitar al pueblo a la liberación del extranjero. La obra de Verdi se caracteriza por ser espontánea y natural, partiendo de una larga tradición operística italiana. Predomina la voz humana sobre la orquesta y se subordina todo a la representación de lo humano. Importa el coro y huye, a diferencia de Wagner, de los asuntos de tipo mitológico. Es polifónica y tiene una melodía acompañada.
R. Wagner: Cabalgata de las Walkirias de la Ópera La Walkiria
Época: Siglo XIX, Romanticismo.
Autor: Wagner.
Género: Música escénica. Pertenece al tercer periodo de la obra de Wagner, dentro de la tetralogía El Anillo del Nibelungo. Su ópera se basa en la mitología germana, siendo un símbolo del nacimiento en esa época del sentimiento nacionalista. Busca conseguir una obra total (Gesamtkunstwerk), donde se unan poesía, música, decoración, acción, etc., siguiendo el ideal romántico de llegar a un arte que incluya todo. Exalta la unidad de la lengua alemana y le da gran importancia a la orquesta, incluyendo nuevas armonías, cromatismos y timbres. Crea el Leitmotiv, la idea unitaria de la ópera, un motivo musical que caracteriza a los principales personajes, los anuncia y describe. Su melodía busca sostener el texto y facilitar los diálogos de los cantantes, no deleitar.
R. Schumann: “Träumerei” (“Ensueño”), Nº7 de Escenas de Niños
Época: Romanticismo (primera mitad del siglo XIX).
Género: Instrumental, música para piano, profana.
Melodía
Melodía sencilla, lírica y evocadora, en un estilo que refleja la introspección y la ternura. Se desarrolla de forma cantabile, con frases largas y un carácter soñador.
Ritmo
Ritmo lento y estable en compás de 4/4, que crea una atmósfera tranquila y contemplativa. La sencillez rítmica refuerza el carácter introspectivo de la obra.
Armonía/Textura
Armonía tonal en Fa mayor, con modulaciones suaves y enriquecida por acordes de séptima y novena que aportan calidez y color. La textura es homofónica, con la melodía en la mano derecha y un acompañamiento suave en la mano izquierda.
Tímbrica
Escrita para piano, la pieza utiliza registros medios y agudos, resaltando una sonoridad cálida y delicada. El uso de pedales crea una sensación de fluidez y resonancia.
Dinámica
Dinámica predominantemente suave (piano y pianissimo), con leves crescendos y diminuendos que aportan expresividad.
Agógica
El tempo es lento (semplice), lo que permite una interpretación expresiva y libre, con rubato frecuente para enfatizar el carácter poético.
Forma
Ternaria (ABA):
- Sección A: Presenta el tema principal, con un carácter íntimo y melódico.
- Sección B: Introduce un contraste leve en la armonía, manteniendo la coherencia con el tema principal.
- Sección A (reexposición): Retorno del tema inicial, con ligeros matices expresivos añadidos.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Compuesta en 1838, «Träumerei» es una de las piezas más conocidas de Schumann y un ejemplo paradigmático del Romanticismo. Pertenece a la colección Kinderszenen (Escenas de niños), que no busca describir la infancia, sino evocar recuerdos y emociones con una mirada nostálgica y poética. La obra refleja el estilo de Schumann: melodías introspectivas, armonías cálidas y una expresividad íntima, características de su lenguaje pianístico romántico.
F. Chopin: Nocturno en Mi♭ Mayor, Op. 9, Nº2
Época: Romanticismo (primera mitad del siglo XIX).
Género: Instrumental, música para piano, profana.
Melodía
Lírica y ornamentada, con una calidad vocal que recuerda al bel canto. La melodía es fluida, con uso frecuente de adornos como trinos, mordentes y notas de paso. Presenta una línea melódica principal en la mano derecha, de carácter expresivo y nostálgico.
Ritmo
Compás de 12/8, que crea una sensación de balanceo y fluidez. El ritmo tiene una estructura de subdivisión ternaria que aporta un carácter ondulante y nocturno.
Armonía/Textura
Armonía tonal en Mi bemol mayor, con progresiones armónicas suaves y resonantes. Se utilizan modulaciones a tonalidades cercanas para enriquecer el carácter melancólico. La textura es homofónica, con un acompañamiento arpegiado en la mano izquierda y la melodía en la derecha.
Tímbrica
Escrita para piano, la obra explora las capacidades expresivas del instrumento, desde los registros graves hasta los agudos, con un uso generoso del pedal para crear resonancias.
Dinámica
Predomina una dinámica suave (piano y pianissimo), con crescendos graduales y momentos de mayor intensidad emocional. Las dinámicas contribuyen a la sensación de introspección y lirismo.
Agógica
Tempo andante, con un uso notable del rubato: el intérprete retoma y libera el tiempo para expresar el carácter emocional de la pieza.
Forma
Ternaria (ABA), típica de los nocturnos:
- Sección A: Introducción de la melodía principal, de carácter soñador y delicado.
- Sección B: Contraste ligero, con modulación a tonalidades cercanas y una textura más elaborada.
- Sección A (reexposición): Retorno de la melodía inicial, con ornamentos adicionales que añaden expresividad.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Compuesto entre 1830 y 1832, este nocturno es uno de los más populares de Chopin. Influido por el estilo de John Field, quien estableció el género, Chopin lo lleva a un nivel superior mediante una escritura más expresiva y técnicamente refinada. Esta obra es un ejemplo característico del Romanticismo: intimidad, lirismo y un enfoque en la emoción personal. La escritura idiomática para el piano refleja el virtuosismo y sensibilidad de Chopin como intérprete y compositor.
C. Debussy: Claro de Luna
Época: Impresionismo (finales del siglo XIX y principios del siglo XX).
Género: Instrumental, música para piano, profana.
Melodía
Melodía ondulante y etérea, con frases fluidas y sinuosas. Predomina un carácter evocador, con progresiones melódicas que sugieren introspección y ensoñación.
Ritmo
Ritmo libre y fluctuante, con un carácter casi improvisatorio. La obra utiliza un compás de 9/8, que aporta un movimiento constante y fluido, como una danza lenta.
Armonía/Textura
Armonía modal, característica del Impresionismo, con acordes ricos y difusos que exploran colores sonoros más que funciones tonales tradicionales. La textura varía entre homofonía en los momentos líricos y polifonía ligera en secciones más densas.
Tímbrica
La obra está compuesta para piano, y sugiere un uso delicado del pedal para crear resonancia y un ambiente envolvente. Se exploran registros medios y altos, evocando una atmósfera luminosa y serena.
Dinámica
Predominan dinámicas suaves (pianissimo y piano), con crescendos y diminuendos graduales que acentúan el carácter etéreo de la pieza.
Agógica
Tempo lento (andante très expressif), con libertad interpretativa, rubato frecuente y una sensación de suspensión en el tiempo.
Forma
Libre, con secciones que fluyen orgánicamente sin estructuras rígidas. La obra puede entenderse como una sucesión de frases poéticas que evocan imágenes de serenidad y luz.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Compuesta alrededor de 1890 y revisada en 1905, «Claro de Luna» es una de las piezas más icónicas de Debussy. Representa plenamente el estilo Impresionista, inspirado en las artes visuales y poéticas (particularmente en Paul Verlaine, quien escribió un poema titulado Clair de Lune). La obra enfatiza el color y la atmósfera por encima de las estructuras tradicionales, explorando texturas sonoras y armonías innovadoras. Es un ejemplo perfecto de cómo Debussy transformó el piano en un instrumento de evocación y sutileza expresiva.
F. Liszt: La Campanella
Época: Romanticismo (mediados del siglo XIX).
Género: Instrumental, música para piano, profana.
Melodía
Basada en el tema del segundo movimiento del Concierto para violín n.º 2 en Si menor de Niccolò Paganini. La melodía principal es ágil y juguetona, evocando el sonido de pequeñas campanas (de ahí el título). Es adornada con rápidas escalas, arpegios y trinos que muestran el virtuosismo del pianista.
Ritmo
Ritmo rápido y constante, con una pulsación viva que refleja la ligereza y el tintineo característico de las campanas. Se presenta en compás de 6/8, lo que refuerza el carácter de danza.
Armonía/Textura
Armonía tonal, rica en modulaciones que amplían el material melódico. La textura es predominantemente homofónica, pero enriquecida con múltiples capas de ornamentación, que añaden brillo y complejidad.
Tímbrica
Compuesta para piano, la obra explota las capacidades del instrumento, con énfasis en los registros agudos para evocar el sonido de campanillas. Los rápidos pasajes y los saltos extremos entre registros ponen a prueba la habilidad del intérprete.
Dinámica
Amplio rango dinámico, desde delicados pianissimo hasta potentes fortissimo, creando contrastes que enfatizan el virtuosismo y el dramatismo de la pieza.
Agógica
Tempo rápido (allegretto), con cierta libertad en los pasajes más ornamentados. El carácter brillante y chispeante se mantiene a lo largo de la obra.
Forma
Tema y variaciones:
- Tema principal: Presentado en los agudos, con un carácter ligero y juguetón.
- Variaciones: Incrementan progresivamente en complejidad técnica, incorporando trinos, saltos extremos y ornamentaciones elaboradas.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
«La Campanella» es un ejemplo del virtuosismo extremo de Franz Liszt, quien se inspiró en el violinista Niccolò Paganini para trasladar el virtuosismo del violín al piano. Esta obra es una mezcla de elegancia melódica y dificultad técnica, con pasajes que desafían los límites del pianista, como saltos de octavas y rápidos adornos. Refleja el espíritu del Romanticismo, con su énfasis en el virtuosismo individual y la expresividad emocional. «La Campanella» es un espectáculo tanto musical como técnico, y se considera una de las piezas más desafiantes del repertorio pianístico.
A. Schönberg: Pierrot Lunaire (Nº1 “Mondestrunken”)
Época: Siglo XX. Pertenece al movimiento Expresionista, específicamente al período atonal libre de Schönberg (1910-1920).
Género: Vocal (con acompañamiento instrumental), profano. Es una obra de música de cámara expresionista.
Melodía
Utiliza Sprechgesang (habla-canto), una técnica vocal que combina el habla y el canto, con líneas melódicas altamente disonantes y fragmentadas.
Ritmo
Irregular y fluido, con frecuentes cambios de compás que subrayan el carácter expresivo del texto.
Armonía/Textura
Totalmente atonal, sin centro tonal. La textura es contrapuntística, con independencia entre las partes instrumentales.
Tímbrica
Una combinación de cinco instrumentos: flauta (también flautín), clarinete (también clarinete bajo), violín (también viola), violonchelo y piano, junto con la voz. La timbricidad es fundamental para la expresividad de la obra.
Dinámica
Extremadamente variada, desde pianísimos etéreos hasta crescendos dramáticos.
Agógica
Marcada por cambios abruptos de tempo y rubato expresivo.
Forma
No tiene una forma tradicional; está organizada como una canción de estructura libre que sigue el texto poético de Albert Giraud.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
Pierrot Lunaire es una obra clave del Expresionismo musical. Representa una ruptura con las tradiciones tonales y utiliza técnicas como el Sprechgesang y la atonalidad para explorar emociones extremas y psicologías complejas. Refleja la influencia del arte visual y literario expresionista de la época, así como el interés por lo grotesco, lo onírico y lo alienante. Es un ciclo de 21 canciones basadas en poemas simbolistas, y «Mondestrunken» (Borracho de luna) abre el ciclo con un clima surrealista y misterioso.
I. Stravinsky: La Consagración de la Primavera (“Danza de las Adolescentes”)
Época: Siglo XX. Pertenece al período moderno, específicamente al Primitivismo musical (estreno en 1913).
Género: Instrumental (orquestal), profano. Es un ballet concebido para los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev.
Melodía
No convencional, basada en motivos cortos y repetitivos. Fragmentos melódicos influenciados por músicas folclóricas rusas.
Ritmo
Destacadamente irregular y complejo. Utiliza patrones rítmicos asimétricos, síncopas y cambios abruptos de métrica. El ritmo es el elemento principal de la obra.
Armonía/Textura
Utiliza armonías disonantes y yuxtaposiciones de acordes no relacionados. La textura varía entre homofonía y polifonía densa.
Tímbrica
Una orquesta muy ampliada que incluye maderas y metales adicionales, percusión diversificada y cuerdas. Destacan los contrastes tímbricos y el uso de registros extremos.
Dinámica
Amplio rango, desde pianísimos etéreos hasta fortísimos violentos.
Agógica
Cambios frecuentes de tempo; predominan tempos rápidos y pulsaciones insistentes.
Forma
No tiene una forma clásica definida; es una sucesión de episodios vinculados al programa coreográfico. «Danza de las adolescentes» sigue un patrón basado en la repetición y variación de bloques sonoros.
Contextualización de la obra en relación con las características de su estilo
La Consagración de la Primavera es una obra emblemática del Primitivismo. Busca evocar rituales paganos de la antigua Rusia a través de un lenguaje musical radical. Su estreno escandalizó al público por su carácter violento, la disonancia, los ritmos complejos y la coreografía innovadora de Vaslav Nijinsky. Representa la ruptura de Stravinsky con la tradición romántica y su exploración de nuevas posibilidades rítmicas, armónicas y tímbricas, influyendo profundamente en la música del siglo XX.