1. La Capilla Musical: Composición e Importancia
Las **capillas musicales** eran los mayores centros de interpretación y formación musical, promovidas generalmente por los reyes o la aristocracia. Su estructura y funcionamiento eran fundamentales para el desarrollo de la música renacentista.
Roles y Figuras Centrales
- El **Maestro de Capilla**: Era la figura principal. Se encargaba de educar, componer el repertorio y coordinar los ensayos.
- El **Organista**: Cumplía funciones esenciales en la interpretación de muchas composiciones.
- Los **Cantores** y los **Seises**: Los seises eran los niños del coro, de los cuales era responsable el Maestro de Capilla. La única manera de aprender música formalmente era convertirse en un seis, y a partir de ahí ir escalando puestos (Seis – Cantor – Organista/Maestro de Capilla).
- Los **Ministriles**: Instrumentistas que surgieron en el siglo XVI y que, a mediados de siglo, comenzaron a formar parte de la plantilla oficial de la Iglesia.
2. La Imprenta Musical
La invención de la imprenta en 1440 supuso un gran cambio, pero su aplicación a la impresión de partituras era inicialmente muy complicada. Por ello, en el siglo XV, las fuentes musicales seguían siendo **manuscritas**, recogidas en **cancioneros**.
El verdadero avance llegó en 1501, cuando en Venecia, **Ottaviano Petrucci** lanzó la primera impresión musical. Más tarde, en 1521, en París, Pierre Attaignant creó la imprenta de **tipos móviles**, permitiendo que las notas pudieran reutilizarse. Gracias a esto, casi todas las fuentes musicales del siglo XVI son impresas.
Además, **Venecia** se convirtió en un gran centro de la impresión musical durante el Renacimiento.
3. La Contenance Angloise y John Dunstable
En 1420 se produjo un cambio de sonoridad conocido como la Contenance Angloise (manera inglesa). Este cambio se derivó de las tradiciones musicales insulares. Su creación se le atribuye a **John Dunstable** (c.1390-1453).
Características de la Contenance Angloise
- Introduce las **consonancias imperfectas** de tercera y sexta, lo que generó una sonoridad más moderna.
- Control de la **disonancia**: la disonancia va preparada y resuelta.
- Ausencia de cuartas, quintas ni octavas paralelas.
- Los ritmos son más naturales, sin elementos alambicados, siendo menos complejos que en el periodo anterior.
4. La Música en el Período 1420-1470: La Escuela de Borgoña
Todos los avances musicales de este periodo se produjeron en el **Ducado de Borgoña**, una zona muy rica y culta. Por el canal de Inglaterra a Francia se transmitieron todas las nuevas técnicas, incluyendo la Contenance Angloise.
Compositores y Estilo
Los transmisores de estas nuevas técnicas fueron compositores como **Guillaume Dufay**, **Gilles Binchois**, **Johannes Ockeghem** y **Antoine Busnoys**. Estos combinaron las técnicas del siglo XIV con la Contenance Angloise, lo que desembocó en una creciente complejidad y un cambio de la sonoridad.
Géneros Musicales
El Motete
Uno de los principales estilos siguió siendo el **motete**, que pasó de ser isorrítmico a un nuevo modelo imitativo. El motete comenzó a mutar en el siglo XV:
- La **isorritmia** se pierde.
- El motete politextual se reduce a un solo texto.
- Adopta una nueva forma: los cantus firmus religiosos.
El motete más famoso del siglo XV es Nuper rosarum flores de Dufay.
La Misa
Un ejemplo de motete en la misa es la misa de tratamientos complejos (contrapuntístico), llamada Misa Prolatium de J. Ockeghem. Se trata de un **canon doble** que se va ampliando, en el cual las voces se cantan en mensuras distintas.
Posteriormente, surgió la idea de utilizar el mismo cantus firmus para todos los movimientos de la misa, buscando unificar la obra. Así, la misa se convirtió en la **Misa de Cantus Firmus**, en la que la melodía se construye a partir del tenor.
La Chanson
La chanson siguió las formas profanas que se mantuvieron desde el siglo XIV:
- Balada: A a B
- Virelai: A Bba A
- Rondeau: AB aAa’b AB
5. La Música en el Período 1470-1520: La Era de Josquin
En el año 1470 comienzan a aparecer las obras de **Josquin des Prez**, proveniente de las formas flamencas. Josquin abandonó las formas medievales e implantó un nuevo método de escritura que fue imitado por todos los compositores posteriores.
Compositores y Contexto
Algunos de los compositores de esta época son **Alexander Agricola**, **Pierre de la Rue** y **Jacob Obrecht**. La carrera de estos compositores se desarrolló principalmente en **Italia**, que estaba dividida en tres zonas:
- La zona sur (Nápoles).
- El centro de Italia (Estados Pontificios y Roma, centro del mundo católico).
- La zona norte (ciudades-estado ricas como **Venecia**, la más influyente, que demostraban su poder mediante la inversión en arte).
Características del Estilo de Josquin
- Idea muy clara del **fraseo**, con separación entre frases.
- Composición basada en **motivos cortos**, fáciles de imitar y mover.
- Uso intensivo de la **imitación**: la frase empieza en una voz, se repite en las demás voces y se cierra.
- El punto central de su música era la **flexibilidad**, lo que daba más libertad al compositor.
Géneros Musicales
El Motete
El motete se convirtió en el género universal. Poseía un texto libre y contenidos mucho más expresivos (ejemplo: Absalon Fili Mi).
La Misa
La obsesión de los compositores era la **unidad** de la misa. Al cantus firmus se le añadían cada vez más elementos. Un ejemplo es la Missa Hercules Dux Ferrariae, que introdujo un nuevo concepto de tonalidad. En esta misa, el motivo entra en la soprano y contiene un **sujeto oculto** (el texto es el nombre de las notas).
Esto dio lugar a la **Misa Paráfrasis**, que fue más común en el siglo XVI. En ella, los temas están parafraseados (embellecidos o pareados) para adaptarse a la melodía. Ejemplo: Misa Pange Lingua.
Formas Profanas
En las formas profanas, la chanson aplicaba los mismos recursos que el motete, aunque las **formas fijas** (como el rondeau) comenzaron a desaparecer. En cuanto a la música popular, esta se abarató y difundió gracias a la imprenta.
6. La Música en el Período 1520-1550: La Generación Post-Josquin
La **generación post-Josquin** se desarrolló en Italia. Los principales compositores fueron **Adrian Willaert**, **Nicolas Gombert**, **Cristóbal de Morales** y **Jacob Clemens non Papa**.
Características Estilísticas
Esta generación siguió el estilo de Josquin, pero con mucha más **complejidad**:
- Las texturas son más densas (cuatro o más voces).
- Las voces siempre están sonando en imitación.
- Las frases se sobreponen entre sí, dando lugar a un **contrapunto imitativo masivo**.
- La música se percibe como muy monótona.
A pesar de esto, en su época, fueron percibidos como la mejor generación. Para explicar esta discrepancia, se presenta la hipótesis de **Edward Lowinsky**:
- En las composiciones se introducían **alteraciones** que no estaban escritas ni prescritas por los tratados.
- Lowinsky expuso que esto se debía al **arte cromático secreto**, donde las tablaturas solo se compartían entre compositores porque contenían contenidos problemáticos.
En cuanto a los géneros musicales, la Misa Paráfrasis evolucionó a la **Misa Parodia** (o Misa de Imitación) al añadirle más complejidad. Este tipo de misa se convierte en una obra polifónica completa. Ejemplo: Mille Regretz.
7. La Frottola (1480-1520)
La **frottola** es la primera gran forma profana en italiano. Se produjo gracias al impulso de **Isabella d’Este**, una gran mecenas. Al ser música popular, se caracteriza por tener **ritmos vivos y regulares**, así como **armonías sencillas**.
Aunque la primera frottola fue compuesta en Nápoles, se desarrolló sobre todo en **Mantua** y **Ferrara**, empezando a perderse en torno a 1520.
8. El Madrigal
En torno a 1520, empezó a aparecer una de las formas más prestigiosas del siglo XVI: el **madrigal**. Con este género se produjo un cambio en la concepción del texto, que se convirtió en un texto de mayor **refinamiento artístico**.
Los compositores convertían los sonetos en madrigales, siguiendo el modelo de **Francesco Petrarca**. **Pietro Bembo** definió la forma del madrigal como la alternancia de versos de 7 y 11 sílabas, lo que provocó una sonoridad completamente diferente. El principal objetivo del madrigal era **reflejar el texto en la música**.
Generaciones del Madrigal
I. Roma y Florencia (1520-1550)
Compositores clave: **Jacques Arcadelt** y **Philippe Verdelot**. En esta generación se desarrolló el término **madrigalismo**, que consiste en la expresión concreta de un texto en música. Ejemplo: Il bianco e dolce cigno.
II. Venecia (1540-1570)
Compositores clave: **Adrian Willaert**, **Cipriano de Rore**, **Orlando di Lasso** y **Philippe de Monte**. Aquí se le introdujo al madrigal la forma del motete (imitativa). También se le dio más importancia a la **armonía**, ya que se consideraba esencial para transmitir el texto.
III. Ferrara, Mantua y Roma (1550-1600)
Compositores clave: **Giaches de Wert**, **Carlo Gesualdo** y **Luca Marenzio**. En esta etapa, el centro tonal del madrigal se perdió porque la armonía se rompió en labor de adaptarse al texto. Esto provocó muchas **disonancias** (Edward C. llamaba a esto «atonalidad triádica»).
Aunque el madrigal comenzó como música popular, se hizo más culto. Por ello, la música popular se refugió en la forma napolitana, llamada **villanesca alla napolitana**, compuesta con estilo y dialecto local.
9. La Chanson Parisina (1500-1550)
La chanson se desarrolló en París. **Pierre Attaignant** difundió dos tipos de chanson, muy diferentes del estilo del motete y muy diferentes entre sí:
Estilo de Claudin de Sermisy (1490-1562)
- Influencia de las formas italianas, sobre todo de la **frottola**.
- **Ritmos sencillos y vivos**.
- Importancia y difusión a través de los arreglos.
Estilo de Clément Janequin (1485-1558)
- Ritmo ágil e interpretación veloz.
- Técnicas imitativas muy complejas, dirigidas a un nicho pequeño de músicos.
- **Chanson programática**: Contar una historia a través de **onomatopeyas** (ejemplo: La Guerre).