Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores
Se concluyó en el 1471 d.C., durante el Quattrocento. Está situada en Florencia (Italia). Su autor es Filippo Brunelleschi. Filippo Brunelleschi levantó hiladas de piedra de ladrillo horizontales sobre un tambor octogonal. En el interior creó una bóveda semiesférica. Una novedad muy importante fue la construcción de la bóveda interior sin cimbras (armaduras de madera en torno a las que se construye un arco, bóveda…). El conjunto de la catedral había sido realizado en el año 1292 d.C. y el tambor fue levantado a comienzos del siglo XV d.C. En el 1418 d.C. se convocó un concurso para rematar el espacio del tambor, y se seleccionó el de Brunelleschi, que estaba muy inspirado en el Panteón romano. La proporción y la belleza de la cúpula supuso la aceptación del artista al considerarla una obra de gran novedad y audacia. La cúpula está rematada por la linterna.
Iglesia de San Lorenzo
Sería la segunda obra de Filippo Brunelleschi. Fue construida en el 1420 d.C. en pleno Quattrocento. Está situada en Florencia (Italia). Es una iglesia que retoma el esquema paleocristiano de la planta basilical de cruz latina. La planta crece a partir del cuadrado del crucero, del que derivan todos los demás elementos. La iglesia tiene tres naves separadas por arcos corintios. Sobre el crucero está rematado interior y exteriormente por una cúpula. Las naves laterales están cubiertas con bóvedas semiesféricas, y la nave central sigue los modelos paleocristianos: una techumbre artesonada plana de madera y se decora con casetones. La Iglesia de San Lorenzo mantiene elementos medievales, como la iluminación de las naves laterales por medio de óculos. Es muy parecida a la de Santa María de las Flores. La Iglesia de San Lorenzo mantiene la perspectiva, la proporción y la simetría. Revitaliza todos los órdenes. Destaca la sucesión de cuadrados o cubos espaciales que en conjunto son elementos que el autor ya había incorporado en “El Hospital de los Inocentes” de Florencia.
Jardín de las Delicias
Es una obra realizada entre el 1480-1490 d.C. Su autor es el artista holandés Jheronimus Bosch, “El Bosco”. En esta obra la figuración y variedad de colores destacan por encima de todo. Es un tríptico de la creación, que representa el mundo y el infierno. Destaca la aparición de numerosos cuerpos desnudos. Hay numerosas representaciones vegetales y animales como la fresa, que representa la lujuria. Sus proporciones son de 2×3,86 metros. Está en el Museo del Prado de Madrid. Representa el ciclo de la vida en un tono crítico y moral. Es una composición caótica, pero tratada con gran detallismo. Hay una línea de horizonte para dar profundidad. Hay una gran alusión a animales representados muchas veces en la Edad Media. Es una obra hecha en óleo sobre tabla. Cuando se cierra, se representa el globo terráqueo con tonos grises, blancos y negros.
El Tributo de la Moneda
Fue realizada entre el 1424-1427 d.C. Su autor es Masaccio. Pertenece a un ciclo de frescos sobre la vida de San Pedro, que decora los muros de la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine (Florencia). Aparte de Masaccio participaron varios pintores desde 1424, aunque este pasaje es de Masaccio. Representa el momento en que Jesús y sus discípulos llegan a Cafarnaún y pagan un tributo para poder entrar. Dentro de la obra hay tres episodios:
- Primer episodio: Cristo le dice a San Pedro que eche un anzuelo al mar y el pez que pesque tendrá dentro una moneda (en la parte del fondo a la izquierda).
- Segundo episodio: Aparece San Pedro sacando la moneda de la boca del pez.
- Tercer episodio: Se le está entregando la moneda al recaudador (en la parte derecha).
Masaccio muestra su relación con Giotto a la hora de representar sus obras, pero en este caso Masaccio le supera en la utilización de la luz como creadora de volumen. Las obras se relacionan entre sí con gran naturalidad por gestos y miradas. Masaccio fue el primero en conseguir una correcta representación del espacio. Todos los puntos de fuga salen desde la cabeza de Jesucristo, destacando así la importancia de este.
David de Miguel Ángel
Se construyó entre el 1501-1504 d.C. Fue realizada por Miguel Ángel. Es David, el vencedor de la batalla frente al gigante Goliat. Estaba pensada para la Piazza della Signoria de Florencia, pero fue trasladada a su lugar actual, la Academia de Florencia. Es una obra realizada en mármol blanco. Supera los 4 metros de altura. Se puede apreciar a David preparándose para el combate contra Goliat. Es un rostro psicológico que expresa la ira y fortaleza del momento. Es una obra que sigue claramente los fundamentos clásicos. Miguel Ángel fue capaz de esculpir con certeza los cuerpos gracias a sus investigaciones clandestinas con cadáveres, los cuales eran abiertos para poder apreciar las proporciones con más exactitud.
Políptico de San Bavón de Gante o Cordero Místico
Data del 1432 d.C. Su autor es Jan Van Eyck. Es un óleo sobre tabla. Pertenece al gótico flamenco. Tiene unas medidas de 350×223 centímetros. Está situado en la Catedral de San Bavón en Gante (Bélgica). Es una de las obras más representativas del gótico flamenco junto al “Matrimonio Arnolfini”. Son 12 tablas divididas en dos pisos, en las que se despliega una iconografía compleja con temática religiosa inspirada en el Apocalipsis. En el centro superior tenemos la figura de Cristo en majestad, como continuidad del bizantino. En los exteriores aparecen ángeles cantores y músicos. En el inferior, el tema principal es la adoración al cordero místico; es diferente al resto, ya que está en un paisaje abierto. En el inferior también podemos observar cómo se personifican las virtudes cardinales: a la izquierda la justicia y la fortaleza representada por jueces y caballeros; a la derecha aparecen la templanza y la prudencia representada por ermitaños y peregrinos. La tabla muestra la importancia de la gente que vive en soledad para tener a raya sus defectos y pecados. En la parte inferior derecha aparece San Cristóbal con peregrinos, simbolizando prudencia y templanza. Formalmente, el políptico se caracteriza por el gran cuidado del detalle, por la importancia de la naturalidad y por la significación del paisaje, es decir, que se vea el paisaje abierto en el dibujo. Es importante la técnica al óleo que hace que se resalten mucho más los colores, además del juego de luces y el tratamiento de la luz.
Capilla Sixtina
Fue realizada entre el 1508-1512 d.C. Su autor es Miguel Ángel. Fue mandada construir en el año 1475 d.C. por el Papa Sixto IV, por encargo del Papa Julio II. Miguel Ángel decidió empezar por la bóveda y la pared del altar en el 1508 d.C. Al principio, Miguel Ángel, al ver que pintar la bóveda era un trabajo largo y difícil, intentó ceder este encargo a Rafael. Miguel Ángel decidió realizar dos proyectos: en el primero, más sobrio y pobre, solventaba de la manera más simple posible los requerimientos del Papa; en el segundo, el carácter era más amplio, y fue el que finalmente se llevó a cabo. Es el autor y no el Papa el que establece el programa iconográfico. Miguel Ángel decide utilizar el fresco para la decoración de las paredes de la Sixtina. Aunque tras la última restauración se ha descubierto que los colores eran brillantes, intensos y muy vivos, más de lo que se creía hasta el momento. El programa iconográfico es de carácter humanístico-religioso. Incluye escenas del Génesis: la creación de Adán y Eva, la escena del Diluvio, el Pecado Original… La escena del Diluvio se divide en varios episodios. En esas escenas aparecen los siete profetas de la tradición hebrea y las sibilas. Todos esos profetas aparecen en diferentes actitudes: leyendo, escribiendo… como si estuvieran recibiendo inspiración divina. Destaca mucho cómo las anatomías son titánicas, rotundas y musculosas. Las tres escenas de la creación son las últimas que llevó a cabo. En la pared del fondo de la Capilla Sixtina se sitúa el Juicio Final. Miguel Ángel pintó estas escenas en un momento de profunda crisis personal. En este espacio se agolpan casi 400 personajes alrededor de Jesucristo Juez al lado de la Virgen María. Aquí también se puede observar a San Bartolomé, a quien algunos expertos consideran como un autorretrato del propio Miguel Ángel. Finalmente, sitúa las escenas de la Resurrección de los muertos y la barca de Caronte, en la que serán transportados los condenados. Giovanna recoge las telas de su vestido verde, ese color simboliza la fertilidad. El espejo de la pared tiene una firma que reza lo siguiente: “Jan Van Eyck estuvo aquí”.
El Rapto de las Sabinas
Su autor es el artista de origen flamenco Jean Boulogne, más conocido como Giambologna. Era un especialista del mármol y del bronce, siendo uno de los escultores más importantes del Manierismo. El Rapto de las Sabinas fue realizado en torno al 1580 d.C. para ser expuesto en la Logia situada junto al Palacio de la Signoria de Florencia. Está ejecutada en un solo bloque de mármol. Es una de las obras más representativas del manierismo. El manierismo destaca en los siguientes aspectos:
- Cuerpos sometidos a torsiones forzadas.
- Composición helicoidal ascendente.
- Múltiples puntos de vista, que obligan al espectador a moverse en torno a la escultura para apreciar sus diferentes aspectos.
- Sensación de movimiento agitado.
- Actitudes y expresiones dramáticas.
Consideraciones sobre la técnica de Masaccio
Masaccio muestra su relación con Giotto a la hora de representar sus obras, pero en este caso Masaccio le supera en la utilización de la luz como creadora de volumen. Las obras se relacionan entre sí con gran naturalidad por gestos y miradas. Masaccio fue el primero en conseguir una correcta representación del espacio. Todos los puntos de fuga salen desde la cabeza de Jesucristo destacando así la importancia de este.