1. El Nacimiento del Ensimismamiento en el Arte y el Diseño
El **ensimismamiento del arte y del diseño** se origina en el **siglo XIX**, marcando un punto de inflexión donde el arte abandona su función narrativa tradicional y épica para centrarse en la **reflexión sobre sí mismo**. Este cambio fue impulsado por la irrupción de la imprenta, la democratización de la información y el contexto de la modernidad. Estos factores liberaron al arte de la obligación de relatar historias históricas, permitiéndole explorar la **técnica**, la **materia** y la **pura experiencia sensitiva**.
El foco se desplazó de la representación de la élite hacia la **vida cotidiana y lo informe**, experimentando con el caos y lo inefable. Se priorizó la **sensación** sobre la percepción estructurada. Este proceso se intensificó en el **siglo XX** con la purificación del arte: se emancipó de la función comunicativa, haciendo de la forma y la belleza fines en sí mismos, resultando en una obra **autoreferencial**. La narrativa fue desplazada a otros medios, como el cine.
En el diseño, este ensimismamiento significó una transición hacia la **forma emotiva**, liberada de la utilidad rígida, buscando el deleite y la expresión subjetiva, un fenómeno crucial en la **postmodernidad**.
2. Distinción Fundamental: Percepción vs. Sensación
El siglo XIX introdujo un giro conceptual clave: el tránsito de la **percepción** a la **sensación**.
- La **Percepción**: Implica reconocer y organizar lo conocido, lo nombrado y lo que posee sentido. Está ligada a la experiencia formal, estructurada y jerárquica.
- La **Sensación**: Se refiere a experimentar lo desconocido, lo informe, caótico e inefable, sin nombre ni valor cognitivo. Es la experiencia pura y abierta, desprovista de historia o relato.
Este cambio liberó al arte de las narrativas épicas, otorgándole un **»momento cero»** enfocado en la técnica, la materia y el acto creativo puro. La sensación se consolidó como el centro, repudiando lo estrictamente perceptivo. Artistas como **Monet, Cézanne o Van Gogh** ejemplifican esta exploración de la vivencia sensitiva y el desvanecimiento de figuras reconocibles.
En síntesis: Percibir es reconocer lo estructurado; sentir es experimentar lo puro y desconocido sin necesidad de interpretación.
3. El Fenómeno del Styling
El **styling** se define como el **refinamiento estilístico periódico** o el rediseño formal. Este concepto nació en **Estados Unidos** tras la crisis de 1929, impulsado especialmente por la competencia entre Ford y General Motors, quienes promovieron un diseño enfocado en la **apariencia** por encima de la utilidad o la duración técnica.
Características del Styling
- Es la **fabricación de la apariencia**, priorizando la atracción visual y el deseo del consumidor.
- Representa el paso de la larga duración técnica y formal a la **obsolescencia formal** (desgaste calculado de la forma).
- Los objetos se diseñan para **venderse**, fomentando el consumo constante, en lugar de fabricarse para durar o emocionar.
- El diseño norteamericano se orientó hacia la **decoración de exteriores**, perdiendo contenido funcional y técnico, en contraste con el enfoque europeo.
Contraste con Europa
Mientras el diseño moderno europeo mantuvo un equilibrio entre arte, técnica y función, el styling se impuso en EE. UU. como una práctica orientada al mercado y al consumo masivo, donde el valor dependía de la novedad aparente.
En conclusión, el styling es una modalidad de diseño basada en la apariencia y la publicidad, intrínsecamente ligada al **capitalismo monopolista**. Su propósito es controlar el deseo del consumidor mediante la renovación continua de las formas, sacrificando la permanencia y la calidad funcional.
4. Comparativa: Diseño Americano vs. Diseño Europeo
Diseño Europeo
- Dominado por la **utilidad y la función**, evitando la forma o la decoración superficial.
- Diseñadores (Bauhaus, Werkbund vienesa, Vchutemas rusa) integraron **arte de calidad** sin recurrir al esteticismo externo.
- Existe una **síntesis entre arte, técnica e industria**, superando el carácter artesanal del Art Nouveau con rigor funcional.
- No se vincula con el consumo masivo ni la publicidad; los términos como “masas”, “ventas” o “capital” no determinan la creación.
- Busca la **permanencia estética y técnica**, sin desgaste formal ni obsolescencia.
- Relación armónica entre arte y función, donde la analogía estética enriquece el objeto.
Diseño Americano
- Cae en el **formalismo banal**, el embellecimiento exterior y la decoración superficial.
- Introduce el concepto de **styling**: refinamiento estilístico periódico o rediseño formal posterior a 1929.
- Los objetos se diseñan para **venderse**, transitando de la larga duración técnica a la **obsolescencia formal**.
- El styling implica la fabricación de la apariencia, basada en el control del deseo y la atracción visual.
- Da origen a la publicidad y el marketing, al priorizar la novedad estética sobre la calidad o conveniencia.
Diferencia Esencial
El diseño europeo se caracteriza por su **ética funcional y calidad técnica**, mientras que el diseño americano se define por su **orientación comercial** y la búsqueda de apariencia, donde el consumo sustituye a la función como propósito principal.
5. Diseño Moderno vs. Postmoderno
Diseño Moderno
- Surge con la **Modernidad**, caracterizada por la razón, la funcionalidad y la conciencia del “yo”. Ser moderno implica ser autoconsciente y buscar verdad, orden y claridad.
- El arte y el diseño modernos se experimentan por sí mismos, dirigidos a las **élites cultas**, centrados en el deleite estético y la contemplación.
- Prevalecen la **función, la utilidad y la calidad técnica**. La forma está subordinada a la función (lema: “la forma sigue a la función”).
- Movimientos como la Bauhaus promovieron el **racionalismo y la universalidad**, defendiendo la pureza formal y la síntesis arte-técnica-industria.
- La percepción se basaba en la **claridad, estructura y permanencia**, evitando fragmentaciones.
Diseño Postmoderno
- Se inicia cuando la **función deja de ser el contenido esencial** del diseño. Se prioriza la forma, la ironía y el placer visual sobre la racionalidad.
- La Postmodernidad concibe el ser subordinado a la **mirada ajena**, dando lugar al exhibicionismo y al consumo masivo del arte.
- Se caracteriza por la subordinación de la función a lo **emocional y lo familiar**. Pasa de satisfacer necesidades a deleitar necesidades, buscando una “buena forma” agradable.
- Rechaza la rigidez racionalista y los dictados de la Bauhaus, proponiendo un acercamiento **lúdico, irónico e histórico**.
- La obra deja de ser única: se **democratiza, reproduce** y se convierte en mercancía cultural de consumo.
6. La Silla Thonet Nº 14: Un Icono Industrial
La **silla Thonet nº14** es un ícono del diseño industrial que revolucionó el mobiliario en el siglo XIX. Fue creada por **Michael Thonet**, quien perfeccionó un sistema para curvar la madera de haya mediante humedad y calor, fijando la curvatura con moldes metálicos.
El diseño buscaba una estructura **estable, ligera y apta para la producción en serie**. Sus piezas eran estándar, fáciles de montar y desmontar con tornillos, permitiendo un transporte eficiente en paquetes compactos (36 sillas cabían en 1 metro cúbico).
Innovaciones Clave
- **Madera Curvada:** Sistema innovador que permitió formas orgánicas y estables.
- **Desmontable:** Facilidad de ensamblaje y transporte.
- **Asiento y Respaldo:** Redondeados con **rejilla** (esterilla de fibra natural), aportando ligereza, ergonomía y resistencia, además de ser económica frente a los tapizados.
El modelo fue muy apreciado por la **burguesía emergente** por su elegancia sencilla y se usó masivamente en establecimientos públicos. Michael Thonet lanzó el famoso modelo nº14 en 1859, vendiendo millones de unidades.
Su producción en serie, que unió **arte y técnica manteniendo calidad artesanal**, fue precursora del mobiliario moderno. La silla ha sido copiada y versionada, siendo valorada por figuras como **Le Corbusier** como un ejemplar de elegancia y funcionalidad.