Luces de bohemia de Ramón María del Valle-Inclán
El texto propuesto pertenece a “Luces de bohemia” de Valle-Inclán, obra integrada en el teatro anterior al 36. Su contexto parte de la crisis del modelo liberal burgués a finales del siglo XIX y de un cambio de mentalidad y de las expresiones artísticas. Todo ello se sitúa en un contexto histórico marcado por la Revolución Rusa de 1917, los conflictos colonialistas que desembocan en la Primera Guerra Mundial y, en España, por la crisis ideológica provocada por el Desastre del 98. La pérdida de las últimas colonias se convirtió en el detonante de una literatura crítica que reflexionaba sobre el atraso del país. En los años 20 se desarrolla en Europa una etapa de innovación y experimentación cultural, y antes de la Guerra Civil la literatura mezcla elementos tradicionales y vanguardistas.
Biografía de Ramón María del Valle-Inclán
Ramón María del Valle-Inclán nació en Villanueva de Arosa (Pontevedra) en 1866. Estudió Derecho en Santiago de Compostela y, tras la muerte de su padre, se trasladó a Madrid. En 1892 viajó a México, donde empezó a publicar artículos y consolidó su nombre literario. Regresó a España en 1893 y en 1895 publicó “Femeninas”. Llevó una vida bohemia, frecuentando tertulias y relacionándose con intelectuales como Rubén Darío. En una pelea con Manuel Bueno perdió el brazo izquierdo. Destacó por sus ideas contradictorias. En 1907 se casó con Josefina Blanco y tuvo seis hijos; se separó en 1933 y murió en Santiago de Compostela en 1936 a causa de un cáncer de vejiga.
Género y estilo: El Esperpento
Valle-Inclán fue un autor teatral innovador que cultivó tragedias, farsas y, sobre todo, los esperpentos, donde mezcla lo trágico y lo absurdo. Dentro del teatro del 36 se distinguen dos tendencias: el teatro comercial, continuador del siglo XIX, y el teatro innovador, que buscaba romper con las formas tradicionales mediante nuevas técnicas, lenguaje y temáticas, alejándose del realismo y del drama burgués. “Luces de bohemia” pertenece a este teatro innovador y al género del esperpento. En la obra aparece una fuerte experimentación formal, visible en el uso de un lenguaje coloquial y desgarrado, además de una visión crítica de los temas existenciales, sociales y políticos.
Temas principales
- Crítica política y social: Visión crítica de la España de principios del siglo XX, marcada por corrupción, desigualdad y represión. El esperpento ridiculiza a políticos, justicia y prensa.
- El artista contra la sociedad: Oposición entre el artista bohemio e idealista y una sociedad materialista y corrupta. Max Estrella simboliza al intelectual incomprendido y marginado.
- La religión: Crítica a una religión unida al poder y alejada del verdadero mensaje cristiano.
- La muerte: Tema constante en toda la obra, presente en el destino trágico de Max y en escenas como la muerte del niño.
- La literatura: Reflexiones sobre la literatura, sobre todo mediante la figura de Rubén Darío.
Símbolos y elementos clave
- Las sombras y la oscuridad: Simbolizan la miseria y decadencia de España.
- La luz: Representa esperanza y bohemia, aunque termina apagándose y refleja la miseria de la vida bohemia.
- El viaje nocturno: La obra transcurre de noche y simboliza un descenso a los infiernos.
- Los espejos cóncavos: Símbolo principal del esperpento; deforman la realidad y muestran lo grotesco de la sociedad.
- El callejón del Gato: Lugar real de Madrid con espejos deformantes que simboliza la degradación y distorsión de la realidad.
- El título: Tiene sentido paradójico, ya que la obra se desarrolla entre tinieblas y corrupción.
- El amanecer y el frío: Simbolizan el final de un ciclo y la cercanía de la muerte de Max Estrella.
La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca
El texto propuesto pertenece a “La casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca, obra integrada dentro del teatro anterior al 36. Su contexto se sitúa en la crisis del modelo liberal burgués de finales del siglo XIX y en un periodo de cambio de mentalidad y renovación artística. Todo ello se desarrolla en un contexto histórico marcado por la Revolución Rusa de 1917, los conflictos colonialistas que conducen a la Primera Guerra Mundial y, en España, por la crisis ideológica causada por el Desastre del 98. La pérdida de las últimas colonias provocó una literatura crítica que reflexionaba sobre el atraso del país. En los años 20 aparece en Europa una etapa de innovación y experimentación cultural y, en los años previos a la Guerra Civil, la literatura mezcla elementos tradicionales y vanguardistas.
Biografía de Federico García Lorca
Federico García Lorca nació en Fuentevaqueros en 1898 y murió fusilado en Granada en agosto de 1936. Desde joven estuvo unido al arte, especialmente a la música, el dibujo y la literatura. Estudió Filosofía y Letras y Derecho en la Universidad de Granada. En 1919 se trasladó a Madrid y se instaló en la Residencia de Estudiantes, donde conoció a numerosos intelectuales y desarrolló su actividad literaria. Más tarde viajó a Nueva York, experiencia que inspiró “Poeta en Nueva York”. En 1932 fundó La Barraca, grupo teatral universitario que acercaba el teatro del Siglo de Oro al pueblo. También alcanzó gran éxito con obras como “Bodas de sangre”, “Yerma” y “La casa de Bernarda Alba”, escrita en 1936. Ese mismo año fue detenido y fusilado por sus ideas liberales.
Estilo y lenguaje poético
“La casa de Bernarda Alba” pertenece al teatro innovador anterior al 36. En esta etapa se distinguen dos tendencias: el teatro comercial y el teatro innovador, que buscaba romper con las formas tradicionales. El teatro de Lorca se considera teatro poético, ya que combina elementos líricos y dramáticos, emplea símbolos y metáforas y utiliza un lenguaje cargado de intensidad expresiva. Con este lenguaje se transmiten emociones, sensaciones y estados de ánimo a través de distintas figuras retóricas.
Temas fundamentales
- Realidad y deseo: Las hijas sienten deseos que no pueden cumplir por la represión exterior. Adela representa la rebeldía y la libertad.
- Moral autoritaria frente a libertad: Bernarda controla totalmente la casa y a sus hijas, imponiendo ocho años de luto y encierro.
- El papel de la mujer y la represión sexual: Muestra la situación de la mujer en la España rural, obligada a ser sumisa.
- El odio y la envidia: El encierro crea un ambiente tóxico entre las hermanas por Pepe el Romano.
- La hipocresía: Bernarda vive pendiente del “qué dirán” y de las normas sociales.
Simbología lorquiana
- El caballo: Representa la pasión sexual y el deseo amoroso.
- El agua: El agua estancada representa represión; el agua corriente evoca libertad.
- Los colores: El blanco simboliza vida y libertad; el negro representa luto y muerte; el verde simboliza rebeldía.
- El bastón de Bernarda: Representa su poder, autoridad y tiranía.
- El calor: Simboliza la tensión sexual y emocional contenida.
- La luna y la noche: Asociadas con la muerte, el destino trágico y lo prohibido.
- Espacio: Un único espacio cerrado (la casa).
¡Ay, Carmela! de José Sanchis Sinisterra
Estamos ante un fragmento de la obra “¡Ay, Carmela!” de José Sanchis Sinisterra, autor valenciano perteneciente al teatro a partir del 75. Su contexto se sitúa en la muerte de Francisco Franco en 1975 y en el inicio de la democracia. A principios de los años 70, el régimen franquista mostraba claros signos de decadencia. Además, la Guerra Civil tuvo un fuerte impacto en el teatro español, provocando la muerte o el exilio de muchos autores y el aumento de las presiones comerciales.
Trayectoria de José Sanchis Sinisterra
José Sanchis Sinisterra nació en Valencia en 1940. Es dramaturgo, director teatral y maestro de muchos autores de los años 80 y 90. Su obra se caracteriza por la experimentación con la estructura dramática y el interés en la memoria y la identidad. En su evolución pasa de una etapa metateatral (“Ñaque o de piojos y actores”) a una centrada en la realidad social, donde se inserta “¡Ay, Carmela!”, subtitulada “Elegía de una guerra civil en dos actos y un epílogo”.
El teatro de la memoria
A partir de 1975, el teatro español busca atraer de nuevo al público tras la desaparición de la censura. “¡Ay, Carmela!”, escrita en 1986, refleja la represión franquista y la lucha por la dignidad. La obra se clasifica como metateatro y teatro de la memoria, intentando evitar que las atrocidades de la guerra desaparezcan de la memoria colectiva.
Temas de la obra
- Guerra Civil Española: Efectos devastadores del conflicto en la vida cotidiana.
- Memoria y culpa: Carmela representa la memoria y Paulino la culpa por su supervivencia y acciones.
- Represión política: Imposición franquista y brutalidad contra los prisioneros republicanos.
- Arte e ideología: Debate sobre si el arte debe ser neutral o posicionarse políticamente.
Estructura y simbología
- Estructura: Se divide en 2 actos (el primero presenta la situación y el segundo los hechos) y 1 epílogo (con Paulino solo).
- La canción: El título alude al estribillo de la canción republicana relacionada con la Batalla del Ebro.
- La bandera republicana: Representa los ideales y la resistencia de la memoria.
- El vestido de Carmela: Simboliza la humillación y la pérdida de dignidad ante el enemigo.
- El fantasma de Carmela: Representa el trauma y la imposibilidad de olvidar el pasado.
- Luces y sombras: Marcan la frontera entre vida y muerte, realidad y memoria.
- El membrillo: Muestra que Carmela está muerta al no poder percibir su sabor; une lo real y lo sobrenatural.
- El teatro: Simboliza la representación, la farsa y la resistencia.